BLOG NOTE D'UN VIDEASTE

R.I.P Johannes Gutenberg

2012-01-23T13:08:00.000-08:00

Apple vient de mettre à disposition "iBooks Author", pour créer des livres électroniques interactifs, avec comme cible plus ou moins visée : les professeur de l'éducation nationale.

<< Rewind de 25 Ans...

En 1987, Apple sortait Hypercard le premier environnement de développement informatique orienté objet et interactif avec son langage Hypertalk. On pouvait developer des piles de cartes (sorte de livre) avec une interface interactive mélangeant texte, image, son, video ( du moins à l'époque de Director, des animations) et des liens hypertexte. On développait des applications informatiques, tranquillement dans sa salle à manger, d'une manière intuitive, simple et puissante. Une révolution.

Gros succès chez les professeurs (modulo le prix des Mac à l'époque), des milliers de "piles pédagogiques" développées, échangées. Comme à son habitude Microsoft proposera 3 ans plus tard Toolbook, une pâle copie d'Hypercard.

iBooks Author a la même approche, en terme technologique (simplifier l'accès à la complexité de l'OS) mais propose deux nouveautés de taille. La première, est la métaphore utilisée ; celle ci n'est plus déconnectée de notre quotidien, de notre culture, on passe de la pile de cartes, au livre, avec toute les implications que ce changement de paradigme apporte en terme d’habitude d'usage et d'attaque de front de l'objet culturel par définition. La deuxième nouveauté, est le moyen de distribution. Loin des réseaux artisanaux d’échange des années 1980/1990, le book/app store d'Apple offre, potentiellement, aux auteur de iBooks le marché des possesseurs des iPad/iPhone.

De quoi susciter des nouvelles initiatives, de nouveaux talents, de nouvelles structures éditoriales.

Mais aussi, mais surtout, de pouvoir créer de nouveaux concepts d'écriture, de créer dès maintenant une forme d’écriture totale et de dépasser, enfin, J.Gutenber et son écriture linéaire, misérable. Infertile.

Web 0.0

2012-01-08T06:13:00.000-08:00

Dans la famille Royal-Hollande nous avions déjà tiré le web de "Désir d'avenir" qui fut la risée, à juste titre, de tout le monde tant sa médiocrité en terme de design était grande, et surtout aux antipodes du discours de Mme S.Royal, quant à sa modernité et aux usages des réseaux qu’elle vantait.

Tombé par hasard sur le site de Mr F.Hollande (www.francoishollande.fr) j'ai été surpris par un design d'une grande ringardise, du genre de ces sites qui proposent de gagner 2000E/jour en devant trader, ou ceux vantant un régime miracle qui fait perdre 15 kg en 2 semaines.

Ces sites, pour crédibiliser leurs discours, adoptent un design neutre, propret, sans aspérité, une esthétique du rien, un désir de terne, une éloge du commun. Je n’ai pas entendu de levée de bouclier quant au design du site de M F.Hollande. Libération trouve «sobre» la vidéo de voeux de ce candidat où, avec une incruste assez dure, il apparaît sur un fond rosâtre, fadasse, une sorte d’apothéose du vide comme esthétisme. Comme si le «normal» cher à ce candidat devait être triste.

Pourtant, (lui comme les autres) lors de discours enflammés pour galvaniser les troupes, il n'hésite pas à parler de " patriotisme productif", de "France de l'excellence", de « fierté industrielle à retrouver" et termine un discours devant de jeunes militants du PS en parlant de "la jeunesse de France"...Etrange paroles qui résonnent comme un air connu de cette chanson à la gloire de P.Pétain, où peut être ne faut il que changer le premier mot : "Président nous voila ! / Devant toi, le sauveur de la France / Nous jurons, nous, tes gars / De servir et de suivre tes pas...»

Opposition troublante entre la volonté d'être moderne, les promesses de changement, la volonté de faire d'internet et des réseaux sociaux un levier démocratique et cette matérialisation qui offre un immobilisme conceptuel, une esthétisme normée pour les masses. Un web zéro.

Mr.F Hollande parle de "Rêve Français", au vu de son site (et de ces grandes chances de devenir président pour 5 ans), le rêve semble étriqué, la petitesse des désirs ne créera que de bien piètres jouissances et à l’aune de la tristesse de son site, on risque surtout de s'ennuyer ferme.

L'image est parole

2011-12-28T13:05:00.000-08:00

De nouveau j'ai regardé le documentaire de Yann le Masson "Kashima Paradise" réalisé en 1974 qui analyse au travers de deux projets industriels (une aciérie à Kashima et la construction de l’aéroport Narita ) la société japonaise et la lutte des opposants (paysans, étudiants, ouvriers) à ces projets, qui défigurent, polluent, asservissent.

La société japonaise est montré sous son entrelacs de»giri» ces dons entrecroisés qui obligent les deux parties et celui de la relation patriarcal qui de la famille à l'entreprise régit, par la soumission à la hiérarchie, les relations entre personnes. On y parle de Lutte de Classe ( oui ça existait) . A la relecture de ce documentaire, Fukushima, semble être le prolongement direct de Kasima, de Narita, de Minamata. Un goût amer de recommencement.

Le documentaire n’est que image, pas d'interviews, et les leaders de réunions (même en plan serré) n'ont pas de voix synchro, la bande son n'est que bruit d'ambiance, peu de musique et la belle voix off qui dit les commentaires (écrits par Chris Marker)

L'image, et les beaux cadres de Yann le Masson filmant à l'épaule avec son Eclair ACL, se suffit à elle même. Car ici l'image est parole.

L.E.S.S (Léger. Engagé. Sobre. Subtil)

2011-11-14T10:02:00.000-08:00

Face aux caméras boutonneuses, aux protubérances hideuses, à l’esthétique de tête de méduse des accessoires envahissants, à la prépondérance du prise de vue cinéma il faut une riposte, un repositionnement, une éthique renouvellée pour une prise de vue différente.

Voila celle auquel je vais m’astreindre pour mon travail personnel :

Léger : Support léger, à minima

Engagé : netteté au plus proche du flou, lumière naturelle

Sobre : 35 mm ou un zoom 24/70

Subtil : filmer en logarithmique suivi d’un étalonnage

Pas de rigidité dogmatique, si il faut un zoom plus puissant je le prendrais, si il faut un pieds je le prendrais, si il faut un léger ajout de lumière je le ferais.

Mais toujours chercher à saisir la réalité plutôt que la capter. Toujours chercher à poser un regard, à cadrer avec désir, à exposer avec envie. A Faire corps avec la réalité, à être au plus près de la camera

Une démarche de prise de vue pour faire sens, pour créer des sensations, pour créer la danse de l'image, en étreignant la caméra et en enlaçant la réalité.

L’ancienne vague

2011-10-18T13:43:00.000-07:00

Le nombre de fabricants de supports divers et variés pour le canon 5D MKII et leur offre est parfaitement incroyable. C'est la profusion, l'abondance. Le pauvre boitier se trouve noyer dans ses accessoires (voir à la fin du post quelques liens), car l'acharnement à harnacher ce boitier semble n'avoir qu'un seul désir: le cinéma, au détriment du documentaire, et qu'un seul but : faire aussi gros qu'une camera 35.

La nouvelle vague fut en partie nouvelle car elle abandonnait les énormes cameras 35 mm avec leur blimps les rendant obèses ( voir les liens en fin de post) pour les Cameflex légers, portables, pour une prise de vue dans la dynamique de la vie. Cette enflure semble être le ressac de cette nouvelle vague, où l'on ne sait plus tenir une camera, où la camera ne fait plus corps avec le cameraman, où la caméra est disjointe de la sensation.

Les cameras Red ou Arriflex ne sont plus que des boites où vient se greffer des protubérances, des verrues, des boursouflures. La camera n'est plus penser pour cadrer mais pour capter. Seul Aaton avec sa Penelope fait une camera d'épaule en 35 mm, réellement penser pour cela, perpétuant ainsi la relation homme/caméra, base de l'image filmée, car animer par une démarche où filmer reste un désir et non une fonction.

En septembre, pour passer une semaine à Rome, j'avais acheté une poignée Sony bon marché pour camescope pour en équiper mon 5D monté avec juste un 35 1,4 et une loupe sur l’écran. Loin de l'attirail sophistiqué, lourd, cher, vanter par les fabricants, j’étais léger, sobre, sensible (sans parler de l'économie réalisée), au plus proche de la caméra, au plus proche de la réalité. Je filmais.

Pour voir des cameras obeses :

http://tsutpen.blogspot.com/2007/11/adventures-in-american-filmmaking-88.html

http://tsutpen.blogspot.com/2009/09/adventures-in-american-filmmaking-121.html

Jouez avec nous à retrouver le canon 5D dans cet équipement !!!

http://www.neoncam.fr/neoncam/dslr/fr/

Nous sommes le réseau

2011-10-16T12:50:00.001-07:00

Twitter agit comme un poseur de balises, une sorte de réveil informationnel, je n'ai jamais tant lu ""The Economist" que depuis je me suis remis a Twitter. (Etrangement même si le libéralisme n'est pas ma tasse de thé (!), l'intérêt et la qualité de certains articles de "The Economist" m'attirent...)

Twitter offre une vision parcellaire du savoir, il agit comme un delta d'information. Pas de courants puissants, impétueux, mais un infini de ruisseaux, de ruissellements, de filets qui irriguent et fertilisent.

Le savoir est heuristique et le fragment est son matériau de base.Twitter, plus que les blogs et autre RSS, intègre ces deux facettes qui le fait entrer en résonance avec notre pensée réticulaire ; le following devient, un noeud externe, une connexion temporaire. Nous sommes le réseau.

Steve Jobs et la photographie

2011-10-06T12:46:00.000-07:00

Les journaleux prétentieux de France Culture se sont gaussé des réactions liées à la mort de Steve Jobs, eux qui sont les parangons de la Culture Française qui sent bon la naphtaline de l’arrière-garde et la moisissure des vieux paradigmes tant dans l’écrit que de l’image.

Mais qu’a-t elle fait cette France qui illumine le monde, celle qui donne l'exemple, celle qui donne des leçons ?

La France est absente de toutes les avancées technologiques de ces 65 dernières années ( y compris dans le logiciel, alors que les Allemands ont développés SAP (N° 1 des ERP) ou plus proche de nous IRIDAS (étalonnage) racheté par Adobe).

Nos grands capitaines d'industries ce sont les Serge Dassault, le roi du marché d’état et de ces enterloupes ; Arnaud Lagardère qui se ridiculise dans le démon de midi moins cinq ; Bernard Arnault qui fait dans les sacs de luxe, une bonne vieille tradition française où l’innovation réside dans un changement de système de fermeture tous les 50 ans ; Henri Proglio qui a planté Véolia mais qui en en est parti avec des millions d’euros pour diriger (?) EDF.... Effectivement, on a de quoi de se gausser de Steve Jobs.

Sorte de Leonard de Vinci du 20ème et du 21 ème siècle, Steve Jobs a été le vecteur de la modernité de notre vie quotidienne, certes il n’a pas été philanthrope, mais que nenni, il a donné au monde des outils de création, de savoir, de plaisir. C’est déjà beaucoup et quelque part, et en ce jour, à juste titre, on l’en remercie....

Et la photographie ? Et la Vidéo ?

Depuis les frères Lumière, pas de visionnaire, pas de génie dans ces domaines, mais des grosses mécaniques (Arriflex, Nikon, Canon) ou plus petites (RED), toujours bien huilées qui ronronnent au rythme des évolutions inéluctables des technologiques numériques et électroniques totalement centrées sur le traitement numérique. Sony par sa structure grand public / ordinateur / photographie / téléphone a plus les moyens que ses concurrents pour innover, mais son intuition, son innovation sont en berne depuis le Walkman (1979 !!!!).

Ces entreprises sont engoncées dans leurs études marketing, dans une pensée technocratique de la photographie, sans une réflexion sur ce que représente aujourd’hui l’image photo et video dans les évolutions de nos moeurs, de nos désirs, de la création, sans voir ses aspects sociaux et réticulaires. Rarement industrie a été, et reste, si aveugle.

Il a fallut qu'arrive l’iPhone avec ces apps, son interface tactile, sa connectivité réseau pour qu'une nouvelle forme de photographie émerge, encore balbutiante certes, mais qui est au coeur du désir créatif des gens et qui, comme les Macinstosh, a créé des nouveaux usages, des nouvelles pratiques.

L’iPhone 4S, (lynchés par les journaleux de la presse généraliste incapables de la moindre analyse originale, ressassant les mêmes point de vues totalement disjoints d’une pratique) avec son microprocesseur double coeur, son nouveau capteur (qui permet la stabilisation hardware de la video), son déclencheur via l’un des boutons de volume, son accès direct sans déverrouillage, les nouvelles fonctions de IOS 5, va renforcer la pratique de la photographie et vidéographie avec l’Phone et la nouvelle création photographique et vidéographique en aura l'empreinte. Et c’est encore Steve Jobs qui aura fait bouger les choses.

Easy seeing

2011-09-24T15:02:00.000-07:00

J’ai été voir «La nouvelle guerre des boutons», par devoir familial, car une partie de ce film avait été tourné à Blesles village natal de mon grand père paternel et qu'en juillet, durant le tournage de ce film, une grande réunion de famille réunissait, en ce lieux de racines familiales, tous les cousins et cousines de la branche «blesloise» de la famille.

Film à l’eau de rose, lisse, sorte de catalogue de scènes mise bout à bout, jeux d’acteurs attendus. Paysages de carte postale. Filmé en pellicule. Esthétisme convenu : quand Lebrac saute par la fenêtre de sa chambre par une belle soirée d’été et court dans le champ de blé, mouvement ascendant de grue, étalonnage avec dominante orange.... Comment peut on appeler cela une image ?

Dans l’industrie cinématographique le Directeur de la Photographie devrait s'appeler «Responsable Produit», car son rôle n’est plus de créer l’image, mais de la faire correspondre à l’esthétique du marché . Celle du cinéma marchand, distributeur d'émotions, diffuseur d’images prêtes à regarder, fournisseur d'audience pour la publicité télévisée. Les aéroports ont leur musique «easy listening», les multiplex leur «easy seeing». Et le regard s’enfuit. Comme je suis loin de tout cela.

Réalité Réticulaire

2011-09-20T14:38:00.000-07:00

J’ai profité d’un séjour à Rome pour consolider ma pratique de l’iphoneographie. Mon iPhone 4 est rempli de dizaine d’apps photographique mais j’en ai utilisé vraiment qu’une dizaine. Au passage à l’iPhone 5, je vais rationaliser ma boite à outil, tant photo que video. Je reviendrais sur ces outils le moment venu pour l’instant je me suis créé un compte sur Twitpic : http://www.twitpic.com/photos/videopaper, car l’iPhone est avant tout pour moi un appareil photo de réseaux, d'expérimentation, de création. En attendant un appareil qui combinerait la qualité d'image d’un Sony Nex 7 par exemple avec l’ergonomie, les fonctionnalités réseau, la puissance des app de l’iPhone. A quand un Sony (ou Canon) avec l’IOS intégré, un compagnon pour nos visions et nos pensées réticulaires ?

Super Réalité

2011-09-20T14:33:00.000-07:00

Via les méandres d’Internet je suis tombé sur une présentation du Département Capteur Numérique de Sony (voir lien çi dessous). Sony est en train de développer une gamme de capteur qui surpassera la vison humaine, au sein du projet «Super Reality». Prise de vue haute vitesse, plage dynamique supérieure à l’oeil, super haute sensibilité sans bruit...Dans 3 ans on aura une plage dynamique supérieur à l’ALEXA dans des boitiers à 3000 E... L'esthétisme du cinéma indépendant va profiter de cette avancée technologique. Cet apport majeur se fera au coeur de l’image porteuse de sens, bien loin de la cosmétique du tilt shift, time lapse et autre 3D....

http://www.sony.net/SonyInfo/IR/info/Semiconductor/2011/index.html

Reprendre en main la caméra

2011-09-10T12:29:00.000-07:00

Dernièrement j’ai fais pour une amie peintre ( Virginie Roux Cassé), un triptyque video présentant (en partie) son travail. Un des volets s'intitule " Forme - Mouvement - Matière", j'y filme une ébauche faite au couteau. Filmant avec un 100 mm macro, beaucoup de déchets en terme de mise au point, mais le résultat, bien qu'incomplet, pas assez pur, à peine abouti, s'approche d'une forme de prise de vue "organique", qui fait sienne la réalité de l'action, qui propose une dynamique donnant un sens aux mouvements chahutés, aux pertes de point. Une sorte de réponse raisonnée à la rigidité, presque cadavérique, des mouvements de camera des films aseptisés, de suivis de point, qui, si parfait, laissent sans voix, mais aussi sans émotion.

Il ne s'agit pas de prôner une quelconque esthétique primaire de refus de stabilité du mouvement et/ou de la netteté.

Non, il s'agit de reprendre la camera en main, comme si la situation de cadrer nous avez déjà échappé. Comme si le rapport à la caméra, avait été dilué, absorbé par la technicité sans fin du numérique. Venir, revenir, à une prise de vue adhérente aux mouvements, une prise de vue aux confins de l'émotion, au plus près de la matière, au seuil de de la réalité. Cette réalité, qui bat au rythme de la vie qui, volage, s'enfuit de nos yeux.

Forme - Mouvement - Matière :

http://vimeo.com/videopaper/fmm-blog

Le triptyque :

http://vimeopro.com/videopaper/peinture

L'écho de l'absence

2011-09-05T14:41:00.001-07:00

Aujourd'hui, ma mère est rentré en maison de retraite. Un an et demi après la mort de mon père. Elle a emporté des photographies. Dans un album. Dans deux cadres. Posés devant des fleurs. Des fausses fleurs. La vie se réduit à deux photos. La vie se concentre dans deux photos. Ma soeur, ma mère, moi, mon frère, mon père. Dans un cadre. Mon père et ma mère. Dans un autre cadre. Le souvenir encadré. Là dans un espace restreint, fermé, le souvenir comme une lumière en pleur. La photographie seule. Seule sur cette commode. La photographie seule. En ombre. Des fausses fleurs. Des vrais souvenirs. Balbutiements du sens. La photographie. Elle propage l'onde du souvenir. Elle est l'écho de l'absence.

Le ciel Photoshop

2011-08-29T03:56:00.001-07:00

"Parlez moi de la pluie, et non pas du beau temps. Le beau temps me dégoute..." chantait G.Brassens dans sa chanson «L’orage». On pourrait, pour la photographie, reprendre cette antienne, tant que le ciel gris est propice à des expositions parfaites, le gris à18 % du système de mesure rentrant en phase ( en transe !? en résonance !?) avec celui du ciel. Comme cette photo illustrant cet article mise ici sans aucune retouche (prise au 5D MKII, mais celles prises avec l'iPhone sont toutes aussi étonnantes).

Nuages étranges, nuances magiques ; des gris, gris ; des blancs, blancs ; des noirs, noirs. Que demander de plus ? Peut être le soleil....

A star is dead

2011-08-27T14:04:00.001-07:00

Steve Job se retire d'Apple. Une page se tourne. Il a pavé ces 35 dernières années de toutes les innovations marquantes de l'informatique. Un créateur. Un artiste des technologies, du marketing, du design sans aucune comparaison avec le fadasse suiveur sans envergure qu’est Bill Gates ou de son clone et bouffon sautant ( au vue des vidéos de séminaires internes), Steve Ballmer.

Visionnaire, il a su s'entourer d'hommes et de femmes qui ont su mettre en oeuvres ses idées. Apple et certains journaleux, nous disent que Steve jobs a légué son sens de l'innovation à l'entreprise.

Certes, cependant 2000 ingénieurs bardés de diplôme ne peuvent pas remplacer un génie. C’est à dire une personne qui porte en lui une vision, une synthèse technologique, marketing, design d'un produit et qui possède une force créatrice qui manque à tout groupe institué.

Il faut voir, pour s’en convaincre, les millions d'euros dépenser par les entreprises pour faire naître un brin succinct de créativité dans la masse qui les constituent. Comme çi on voulait remplacer un Monet par 50 peintres du dimanche.

Donc, peut être qu’Apple va se scléroser, s’enkyster. Mais d'un autre côté, il est bien connu que les cimetières sont remplis de gens irremplaçables, alors d’autres hommes ou femmes remarquables vont certainement émerger, et un nouveau Apple va naître. Passion du futur qui nous hante.

L'adieu à Niepce

2011-08-18T14:47:00.000-07:00

Depuis la création de la photographie et du cinema (vidéo), en argentique ou en numérique le même principe est utilisé : celui de la camera obscura, une image se forme après avoir traversé des lentilles. Le remplacement du film par un capteur électronique est le niveau zéro du numérique. S'annonce des transformations bien plus fondamentales qui font proposer un véritable changement de paradigme, une véritable rupture, ouvrant de nouveaux champs de création, de nouvelles visions. La Computational Photography, car c'est d'elle dont il s'agit, est née il y a environs 5 ans au MIT et à la Stanford University en autre.

Le concept est simple au lieu d'enregistrer une image captée par un objectif, on va enregistrer une image calculée. Selon les dispositifs on capte plus une image mais des images d'un même sujet, ces multi images sont générées par exemple par une grille de lentilles devant le capteur ou des pixels additionnels. Ce qui est capté n'est plus l'image de la camera obscura mais des données de la réalité que l'on doit calculée pour obtenir un résultat compréhensible par l'oeil.

Plusieurs domaines d'application se dessinent sur les retombées à court terme de la Computational Photography: énorme plage dynamique , mise au point variable sur une seule image, Auto 3D, relighting.

Pour la mise au point variable et continu, le principe théorique a été explicité en 1908 !!!!! par Gabriel Lippmann ( Prix Nobel en 1903 pour son invention de la reproduction de la couleur par une méthode interférentielle) : une matrice de lentilles va permettre d'enregistrer, non pas une image de la scène mais une multitude d'images de la même scène, et donc de capter en terme de position et de direction les rayons de lumière de la scène via une matrice. Un algorithme va permet ensuite ainsi de faire varier le point puisque l'ensemble (fini quand même !!!!) des représentations de la scène ont été captées. Lytro devra sortir un appareil grand public avec ce principe avant la fin de l'année et Raytrix vends déjà ce type de camera pour un usage plus industriel et/ou professionnel.

Le HDR avec 3 photos combinées est une forme basique de Computational Photography. D'autres procesus existent comme un capteur ayant des pixels qui capturent différentes variations de la scène en terme de luminance et , qui vont être intégrés en temps réel pour offrir une plage dynamique comparable, voir supérieure à l'oeil, de 20 diaphragmes ! De quoi faire pâlir une Alexa … et en permettant, il me semble, d'intégrer les bienfaits de cette technologie dans les appareils grands public jusqu'au camera de cinéma numérique. Nous allons pouvoir, enfin, ciné/photographier comme Monet peignait.

Les nouvelles voies induites par cette nouvelle prise de vue va transformer le workflow même du film..La prise de vue ne sera qu'une opération technique de captation, la véritable création se fera dans ce que l'on appelle aujourd'hui la post prod : mise au point, éclairage, colorisation. Ca ne sera pas du virtuel mais une réalité inachevée, en devenir, qui sera manipulée, traitée. Sculptée.Peinte.

L'instant décisif sera glissant mais peut être encore plus pur car décalé dans le temps. Alors nos yeux seront nos âmes assoiffés d'images.

http://www.lytro.com/

http://raytrix.de/

http://graphics.stanford.edu/courses/cs448a/

Un cadavre dans le regard

2011-08-11T14:26:00.000-07:00

Pour être présidentiable faut il avoir un regard vide, regarder le spectateur sans le voir, fixer le lointain du vertige, être à ce point figé dans l'absence ? On ne peut que se poser ces questions à la vision de la photo de F. Hollande sur la couverture du Point illustrant les bonnes pages de son livre programme "Le rêve français".

De Hitler à Pétain, en passant par Staline, F.D Roosevelt, de Gaulle, Mitterand, Sarkozy, le regard de l'homme politique s'affiche. Etonnante similitude entre ces regards et ceux absents des comédiens (?) et comédiennes (?) du roman photo de "Nous deux" ("Nous Deux" est sur Ipad et iPhone et 290.000 ex papier, excuser du peu, sont vendus (2,90E) chaque semaine…)

Expression figée, statuaire, monumentale, presque mortuaire. En détournant R.Vaneigen on pourrait dire que ceux qui parlent de révolution et de luttes des classes sans se référer explicitement à la vie quotidienne sans comprendre ce qu'il a de subversif dans l'amour et de positif dans le refus des contraintes ceux là on dans le regard un cadavre.

Ces expressions sans vie dénotent dans l'imagerie actuelle fait de Lofi, de partage, d'instantané, de décalé, de retouché. Le réel est mouvement, le sens est réticulaire. Et le politique s'enfonce dans l'immobilisme funéraire des erzats des clichés du Studio Harcout. L'image des hommes politiques nous permet de saisir visiblement ce qu'ils sont explicitement : des incarnations vieillissantes d'un temps passé, d'un ancien monde, scories d'un langage visuel aujourd'hui agonisant. Ils ne sont pas le futur, mais juste les revenants du monde mort de l'absence.

Le roman photo de "Nous deux " est imminent politique en terme d'image et de discours (tout fini bien, le bien et la morale triomphent ; les poses figées, le regard fixe, visant le néant). Certes "story telling" fait plus sérieux, plus intellectuel, plus tendance mais il est indéniable que le roman photo est à l'unisson du discours pathétique des programmes politiques, comme si on avait le temps de rêver avant d'agir. C'est en réalisant nos désirs que nous les ferons connaitre.

La géometrie de la saveur

2011-08-11T14:23:00.000-07:00

Quelques jours de bonheur avec Kasumi. Initiation à la cuisine japonaise. Le concombre n'est pas coupé en rondelle mais en lanière. Au delà du fait que l'usage des baguettes implique peu ou prou cette découpe, c'est aussi une vision du monde, ou du moins une perception du monde, qui émerge de cette manière de couper la matière. La cuisine Japonaise est si organique. Elle est matière, éléments. Vision. Peut être que les objectifs japonais partagent cette étrangeté, ce trait de culture, par rapport a ceux de Leitz ? L'empire des signes dans nos yeux agonisants.

Une beauté fulgurante

2011-07-18T13:31:00.000-07:00

Découverte par hasard du photographe Américain Matt Black. Sidération.

Une photo toute en profondeur de champs, très peu de flou. Au 35 mm et/ou 28mm. Composition large. Noir et blanc. Si beau qu'il me semble qu'il ne puisse pas avoir été pris en numérique. Il capte la misère des petits paysans américains et des mexicains laisser pour compte. La dureté des paysages désertiques.

Pourquoi tant d'émotion ? Alors que mes yeux sont saturés des photographies que l'on trouve dans les magazines de photos (celles de livres photo ou des lecteurs), des galeries de partage de photographies sur le web.

La majorité d'entre elles sont belles, mais mortes. Elles ne m'émeuvent pas. Biens sûr elles sont esthétiques, mais une esthétique du vide, une esthétique de société. Une expression collective mais pas une recherche personnelle. Pas un engagement. Un désir. Une vision. Matt Black a un regard, un engagement, une vision. Il écrit une histoire. Construit une oeuvre. Il voit. Il nous fait voir. Nous voyons.

Avec les grands capteurs ( full frame ou APS ) la faible profondeur de champs est devenu un tic esthétique. Peut être une sorte de palliatif à une incapacité à faire un cadre, de composer un regard, de bâtir une vision, de proposer une émotion.

Dans la photographie mondialisée, l'image se perd dans l'absence. Il est bon parfois de la retrouver, vivante, forte,

et de côtoyer sa terrifiante beauté.

http://www.mattblack.com/kingdomofdust/01.html

MANIFESTO

2011-07-03T07:38:00.000-07:00

Ubiquitous Cinematography

Become one with the reality

Ubiquitous Cinematography

Shoot the unseen

Ubiquitous Cinematography

Digitalize the reality

Ubiquitous Cinematography

Think - Shoot - Edit

Ubiquitous Cinematography

Interlace frames of reality with ones of memory

Ubiquitous Cinematography

Capture reality like with a butterfly net

Ubiquitous Cinematography

Le plug-in Summicron II de Leica

2011-07-01T23:42:00.000-07:00

L'optique va t elle s'enfuir dans le souvenir ? L'arrivée prochaine d'un appareil photo plénothique grand public (www.lytro.com) annonce-t-elle la fin de l'ère mechanico-optique ?

Un appareil plénothqiue permet via une matrice de micro lentilles placée devant le capteur, de calculer (fonction plénoptique ) pour un échantillon de rayons lumineux donné, leurs positions et leurs direction. Ainsi les rayons lumineux de cette image vont pouvoir être manipulés par des algorithmes pour, par exemple, changer la mise au point a posteriori.

Face a cette innovation majeure, la misérable 3D restera pour ce qu'elle est, une technologie sans désir, une pure initiative marketing pour renouveler le parc des téléviseurs.

Ainsi donc ça ne sera plus une formule optique qui fera l'image mais une formule mathématique. Une révolution industrielle de la même ampleur, de la même nature celle au 19eme siècle quand la machine à vapeur induisit de nouveaux produits, de nouvelles cultures, engendra de nouveaux modes de vie. Le voyage.

Dans 30 ans, un objectif sera peut être un ensemble de capteurs numériques disposés derrière les micro lentilles (ou fibre optique) et permettront de définir, l'exposition, la focale, la profondeur de champs au moment de la prise de vue mais aussi après, ouvrant ainsi de nouvelles voies à la création d'image.

Et Leica ne fera plus d 'optique mais des plug-in Summicron développant de merveilleux algorithmes de dégradé de flou.

Une nouvelle photographie s'annonce. Mais la photo, le film resteront toujours un regard, une sensation. Un désir fugitif.

http://www.lytro.com/

Faire corps avec la réalité

2011-07-01T15:14:00.000-07:00

Besoin de faire corps avec la caméra. Faire corps avec la caméra, avec la réalité que l'on capture, enregistre. Le Canon 5D avec tout son attirail pour en faire une caméra en général et une épaulière en particulier est loin de ce désir. Avec ces dispositifs plus ou moins sophistiqués ou hors de prix (Zacuto ayant la palme des prix astronomiques pour de la quincaillerie en l'aluminium anodisé), au mieux diminue cette impression, au pire l'accentue.

En aucun cas on fait corps. Il y a cette distance entre le corps et la caméra qui se reflète dans la difficulté d'être proche de ce que l'on filme. Nous sommes dans le lointain. La distance. Une absence d'engagement. Une superficialité. Nous sommes en surface du réel. On capte la réalité sans la partager. Sans l'appréhender. Nous sommes spectateur de ce que nous filmons.

Je rêve d'une camera d'épaule légère, une sorte de super 16 mm numérique. La A-cam dII de Ikonoskop semble se rapprocher de désir, mais sa sortie est toujours annoncée sans réellement s'effectuer. Et puis son format RAW DNG semble avoir été choisi plus par une contrainte industrielle (très peu d'électronique embarquée ) que par une réelle conviction : faire un workflow aussi léger que la caméra. Pour moi la capture logarithmique serait la solution la plus efficiente en terme de workflow (pas de debayerisation dynamique) et de qualité (gestion des basses lumières)

Il y a bien les cameras vidéo broadcast 2/3" (donc plus petit que le S 16mm) mais elles restent lourdes, trop électroniques, peu maniables. Une solution pourrait être le magasin numérique de P+S Technick pour les Ariflex 16 mm SR III, mais il a un capteur 2/3. Non. Il faudrait une Aaton A minima numérique, une D Minima, pour retrouver cette sensation de faire corps un avec ce que l'on filme. De retrouver cette osmose avec l'outil, d'être unis avec elle. La caméra.

Nouvelle photographie : l’heuristique subversive du beau

2011-06-18T00:07:00.000-07:00

La nouvelle photographie est celle née de l'usage des mobiles en général et de l'iPhone en très particulier.

C'est un nouvel art fécondé par la fusion de l'appareil photographique, de l'ordinateur, des réseaux, et de l'ergonomie tactile. Post en forme de petite épistémologie de la nouvelle photographie.

Pour parler de cette nouvelle photographie, le néologisme qui a court sur internet est «iPhoneographie» mais peut être faudrait il mieux appelé cette nouvelle photographie "softgraphie " (écrire avec le logiciel) tant que cette photographie est basée sur le logiciel. Les objectifs sont logiciels (tilt shift, multi exposition), la mise au point est logiciel, l'exposition se fait au doigt ( avec quelle facilite, quelle créativité, quelle précision, ça ramène mon spotmétre au rang d'outil paléolithique !) le flou se construit du bout des doigts, l'image est somptueuse, sous nos yeux, sous nos doigts. Il y a de la peinture dans cette photographie.

Avec l'iPhone les outils ont changés de forme, de statut, les outils sont des applications, les Photoshop express et autre Photoforge et Photogene sont les dignes représentant de l'ancien monde, quand bien même elles restent utiles dans cette phase de transition, dans ce balbutiement des nouvelles origines. Elles existent mais sont déjà obsolète. Antiques. Mais il est juste de dire que le tactile permet d'être au coeur de l'image pour la retoucher et permet donc un ressenti de la modification, avec ces applications, sans commune mesure avec une souris ou une tablette wacom.

Le tactile, c'est le toucher. La caresse. Cela ne peut qu'influencer ce qui est issu du tactile. Le numérique prend de la consistance, il quitte son état virtuel pour devenir matière. Existence.

Les nouvelles applications sont des artware, elles génèrent des looks, avec un vaste champs fonctionnel du simple au complexe mais loin de faire gadget, elles font la part belle à la combinaison, au hasard, à l’incertitude. Elles sont pourvoyeuses d'idées, d'événements. De part leurs heuristiques hasardeuses, ces applications permettent d'interagir entre la réalité captée et la vision espérée, matérialisant le désir, ce sont des machines à sentiments. Des pourvoyeurs d'étranges beautés. On passe de la retouche de la réalité à la création de sensations de ressentis. D'émotions.

La photographie se fait exploratrice, expérimentale. Des applications déstructurent l'image ( Decime8) , le noir et blanc revient en majesté, les couleurs se perdent dans la combinatoire des traitements croises... l'image nait de la réalité mais comme un enfant, qui est à la fois héritier des lignées de ses parents et destinée unique, la nouvelle photographie hérite de la réalité mais elle en fait une vision a part entière. Dès maintenant le réel n'existe que pour, que par, sa représentation abstraite.

L'iPhone est un instrument de l'instant comme en son temps le Leica. Avec ce dernier le réel était l'esthétisme, avec l'iPhone c'est l'esthétisme qui devient réel. ( même si je reste un amoureux transit du flou des Summicron). Avec le Leica je captais le réel, avec l'iPhone je le transforme. Je génère ma propre réalité. Car le réel est multiple, malléable, hétérogène. On peut imaginer qu'avec le Cloud, des nouvelles formes des créations vont émergés. Sans parler des autre applications qui transforment l'iPhone en posemètre, charte de gris ; un autre post leurs seront consacres.

Nouvelle manière de photographier aussi au delà de la captation plus ou moins classique, (l'Appstore fourmille d'appareil photos en tout genre, ce fourmillement n'est pas sans rappeler celui des années 1920/1930 il y avait pléthore de fabricants d'appareils photos.) des nouvelles manières de capter la réalité émergent, forge un regard autre, comme «Joiner» ou "Timetrack" qui scanne la réalité, comme un pinceau du regard.

Au niveau des camera film le même souffle est présent mais bridée encore par le manque de puissance. En retrait quand même, il est symptomatique que dans les catégories de l'appstore celle estampillé''photographie '' regroupe les appareil photos et les cameras.

Nul doute que l'avenir de l'image infinie est dans le croisement de l'IOS, du tactile et d’un boitier avec capteur APS C et objectifs interchangeables. Le constructeur d'appareil photo qui aura la licence IOS sera le nouveau leader de la nouvelle photographie.

Ainsi donc, le beau se déplace de la perception à la création. Le réel se meurt sans souvenir. La vision se fait sensation. Avec l'iPhone l'abstrait est la nouvelle réalité.

En photographie

2011-06-04T15:00:00.000-07:00

C'est quoi le regard photographique ? C'est déjà le regard. La manière d'aller à la rencontre des gens. La photographie est parole. La rencontre. Les gens. L'échange. L'acte photographie est alors une ponctuation dans ce dialogue. Il ne s'impose pas, il d’écoule de la rencontre. Des gens. De l'échange. La photographie ou le documentaire. Les images. Mise en regard. Mise au point. L'image est phrase. Je te parle. Je te photographie. Aller vers l'autre. Se déplacer dans l'immobilité d'un regard. Rendre capteur et non voyeur. Montrer ce que le sentiment voit. La caméra enregistre. 24 regards par seconde. Une âme. Il n'y a pas d'instant juste, seulement des instants qui nourrissent. Des fugacités persistantes. Le déclenchement ne conclut pas. Il prolonge le regard. La rencontre.

L'oeil danse aux (loga)rithmes de la lumière

2011-05-14T12:17:00.001-07:00

La deuxième révolution sur le Canon 5D apres le mode manuel, est la capture logarithmique. Technicolor ( ex Thomson) vient de signer un partenariat avec Canon pour développer des outils permettant à la gammes EOS de s’intégrer plus facilement dans des workflows de film et de télévision. Un premier produit issu de ce partenariat est un Picture Style (Appelé Cine Style) qui permet de capturer d'une manière logarithmique sur un Canon 5D MK II (et sur toute la gamme EOS).

Avec la capture logarithmique, le capteur ( et son électronique de traitement) s'humanise, il devient oeil...

En effet, l'oeil perçoit la lumière d'une manière non pas linéaire mais logarithmique. Il perçoit des rapports de luminosité plutôt que des incréments. Imaginons une pièce où on allume une à une 16 lampes de même puissance. A la 16 eme l'oeil ne percevra pas pas une luminosité 16 fois supérieure entre la 1ere et 16 ème lampes, mais seulement 4 fois et qui plus est, la différence de luminosité entre 1 et 2 lampes, 2 et 4 lampes, 4 et 8 lampes et 8 et 16 lampes est identique pour l’oeil...

Donc notre oeil perçoit plus les différences dans les basses et moyennes lumières que dans les hautes lumières, et cette perception s'effectue sous forme de rapport égaux déclenchée par des apports lumineux de plus en plus grand.

Du côté d’un capteur numérique, c’est une tout autre histoire, car il réagit d’une manière linéaire : plus il y a de lumière pluis la «tension» en sortie est importante. Si la lumière double, la «tension» de sortie double, et donc on va doubler aussi sa quantification numérique. ce qui a pour résultat que l'on va attribuer une grande quantité de bits pour les hautes lumières, et très peu pour les basses lumières et les intermédiaires. (entre le noir et le gris dans une capture linéaire sur 14bits, on va accorder 4% des 16384 valeurs, tandis qu’en log 10 bits cette plage va être représenté par 40% des 1024 valeurs )

Donc, en linéaire, (àl’inverse du film), adieu, les nuances, le subtil, les dégradés onctueux.

Ainsi donc une capture logarithmique va améliorer la dynamique du capteur ( on quantifie les données importantes, les blancs seront pas clippés, les noirs pas écrasés), et aussi l’ algorithmie du traitement du signal va donner de la réserve pour les blancs et les noirs noirs pour l'étalonnage. Car l’image obtenue est non saturée, non contrastée impropre à la vision. Il va falloir "étirer» les données via une LUT ou par les outils Lift/Gain/ Gamma d’un logiciel d'étalonnage. Car l’étalonnage est obligatoire. D’abord pour redonner du contraste et construire l'image avec une latitude sans commune mesure avec une image captée en lineaire (IUT 709). Ensuite, l'étalonnage (re)devient une étape décisive dans la finalisation d’une l’image, avec un matériau numérique qui est une veritable réserve de lumière.

Evidement le Canon 5D MKII encode en 4:2:0 / 8 bits, compresse en H264 et a une dynamique de 5 à 6 diaph, c'est à dire qu’il cumule tous les inconvénients !!!!! Donc sa capture logarithmique sera bien en deçà de la capture logarithmique d’une Viper, d'une Genesis, d'une F35 , d'une F3 , d'une Alexa ou d'une RED ( en post prod) car ces cameras ont déjà des dynamiques extrêmement élevés ( de l'ordre de 13 diagh hormis la F3) et la capture logarithmique se fait sur 10 bits, mais c’est toujours mieux qu’en linéaire.

En espérant que Canon intègre sur son futur 5D MKIII ou camera super 35 mm son propre mode logarithmique, une sorte de «C_Log". Dans cette attente mon Picture Profile est bloqué sur "Cine Style" car, la capture logarithmique, fait la part belle aux tons intermédiaires, aux basses lumières, tout en maitrisant les hautes lumières, c'est a dire le fondement de la subtilité. De la beauté.

www.technicolor.com/CineStyle.

Affiche(s)

2011-05-10T12:27:00.000-07:00

Deux affiches se font concurrence dans le métro Parisien. L'une pour l'organisme "Visit Finland' et l'autre pour le 64 eme Festival de Cannes. L’affiche pour «Visit Finland» utilise des photo N & b du photographe Américain, né en Helsinsky Finlande, Arno Rafael Minkkinen. Magnifique travail de composition, d'éclairage, de tirage. Photographies empreintes d’âme, d'une grande force esthétique, d’une pureté éclatante.

A côte de ces oeuvres exposées dans les galeries souterraines du métro, l’affiche du Festival de Cannes fait pâle figure, peine à se montrer. C'est l'esthétisme bourgeois dans toute sa splendeur, sa pédanterie, sa pesanteur. C'est une création infertile, inerte, qui n'émeut pas, car construite sur l'absence. Une création issue de la marchandise et non du désir. Une affiche qui reflète bien ce Festival de Cannes, un festival de produits et non de films, un festival de pellicule mais pas d'image. Alors, par la Finlande, je me laisse envahir. Envelopper.

www.arno-rafael-minkkinen.com

Silence visuel

2011-05-01T13:34:00.001-07:00

Une journée sans voir. Vivre une journée de silence visuel. Pas d'image. Juste le noir. Le silence. Ne pas voir. Etre en soi. Se voir, en intérieur. Dans l'obscurité caressante. Se mouvoir dans l'absence d'image. Se nourrir du noir. Etre dans son vide. Ascèse mémorielle. Ne pas se souvenir. Ou juste des formes. Des ombres. De la laitance de la lumière. Effleurer la lumière. Imaginer le blanc. Se détacher de la perception. Pour renaître aux couleurs.

Le Cloud Computing, la lumière numérique

2011-04-22T14:54:00.000-07:00

Avec le Cloud Computing, les données sont partout, elles nous entourent, coulent, fluides de nos corps numériques, ondes nous enveloppant. Nuées rêveuses dans lesquelles nous nous mouvons sans ombres. Représentation Zen de nos données : elles sont a la fois partout et nulle part. En permanente absence, en perpétuelle présence. Oscillation.

Véhiculées par des ondes électromagnétiques, comme la lumière mais dans un spectre différent, le Cloud Computing est la lumière numérique. Source de vie, processus de transformation. Au travers de sa photosynthèse numérique il transforme nos données en connaissances, énergie vivante de nos échanges, terreau de nos créations.

L'ubiquité est immanente au Cloud Computing, elle fait de nous des êtres en éveil, car le Cloud Computing dissocie la notion de stockage et de traitement, alors nos données comme nos rêves peuvent être vécues sans réalité.

L'iPad, l'ubiquité merveilleuse

2011-04-21T13:26:00.000-07:00

Par son interface, par sa taille l'iPad ouvre la voie au numérique du quotidien, au quotidien du numérique.

Je peux écrire, dessiner, peindre, imaginer,retoucher, consulter, monter, lire tout est à la portée de doigts, à portée de désir. Dans les années 90, on imaginait que l'interface qui remplacerait la souris serait la voix...et non c'est les doigts !!! Cent fois plus simple à implémenter, mille fois plus puissante dans ses possibilités.

Certains se plaignent que sur l'iPad il n'y pas d'entrée USB mais l'iPad est dans le domaine du sans fil, du Cloud Computing pas du filaire, pas de la prise. Il faut goûter aux joies de Dropbox pour s’en convaincre.

Quand les iMac sont sortis, Apple a imposé, l'USB à une industrie qui utilisait au mieux des liaison asynchrones, au pire des liaisons parallèles ( pour les imprimantes), depuis l'USB est devenu un standard de connexion.

Il y a fort à parier que le WIFI ( simple ou package comme la solution Air d'Apple) et le Cloud Computing fassent de même. C'est plus le changement de culture, de la relation aux données distribuées qui ralentit le processus de migration. Et aussi de l'absence d'infrastructures nationales en terme de WIFI. Ça serait à l'État de mailler le territoire en WIFI, comme au siècle dernier il a construit les routes, édifié les ponts, fédéré les réseaux ferroviaires, tracé les autoroutes, promu les aéroports.

J'avoue que j'ai été tenté par une tablette sous Androïd. Cet OS me semble intéressant, mais Google se confronte au même problème que Microsoft : il y a (quasiment) autant d'Androïd que de plateformes qui l'utilisent, avec son lot d'incompatibilité au niveau des applications. Et puis au niveau applicatif je pense qu'il y a une approche Apple (créativité, robustesse, expérience utilisateur) qui est spécifique et qui induit des types d'applications que l'on trouve peu ailleurs...

Bien plus que le Personal Computer, que le portable, que le NetBook, que le SmartPhone, l'iPad est le numérique fait vie. Peut être tenons nous là le début de la grande mutation, de la métamorphose, celle qui fera de nous des êtres créatifs, à l'aune de nos âmes numériques.

Visite au pays des étalonneurs et à celui des avant-gardes

2011-03-27T10:44:00.000-07:00

La fête de Holî se déroule en Inde pour célébrer le printemps. Durant les 2 jours de cette fête, les gens se jettent l’un à l’autre des couleurs sous forme de pigments. Au delà du fait que c'est du pain béni photographique pour les pages monde des journaux (papier ou web), il y a une telle joie et énergie chez les participants que l'on dirait que la couleur est leur seconde peau ou peut être bien la première. Et puis recevoir ces couleur doit être d’une volupté infinie ; jouir du plaisir de la matière. Assez éloigné de la rigidité numérique !

Aux antipodes de ce pays de couleur vibrantes et vivantes, il y a celui de l'image de l'avant garde vidéo, du moins celle d’une partie de la video d'art, du moins celle contenue dans les vidéos primées au festival Videoformes 2011 diffusées lors de la soirée du palmarès à laquelle je participais.

Dans ce pays l'image est laide, mal exposée, mal étalonnée, mal cadrée. Mais qu’importe l’image, puisque le concept est tout. Voila une bien triste affaire, car si déjà dans les années 1950, Isidore Isou, voulait supprimer l’image ce n’était pas par sa négation mais par son dépassement. Quand la perception est instrumentalisée, la technique fait partie de la beauté.

On a peine à croire qu'un peintre ne sachant pas peindre puisse créer une oeuvre, mais c’est pourtant ce que font ces Artistes video, ne maîtrisant en rien la technique de prise de vue. Mais cette dichotomie ne gêne rien ni les créateurs, ni les critiques patentés et autres membres de jury, car pour eux le concept prime sur l’image laide. Et pourtant dans la laideur du monde, c’est la beauté qui est subversive.

Nourriture visuelle

2011-03-16T14:24:00.000-07:00

Dernièrement j'ai étalonné des vidéos de recette pour Carte Noire. Ces films ont été réalisés par Philippe Lhomme et Michaël Roullier. Ce dernier, photographe et vidéaste a assuré aussi la pris de vue. Michaël Roullier est un homme de talent, possédant un vrai regard associé à une exigence tant esthétique que technique. Car en photo / video comme en peinture, la maîtrise technique est une composante de la beauté.

Ces 4 vidéos de 2 minutes forment effectivement un produit commandité mais son esthétisme, et avec quelques plans tournés mais non montés, en ferait un film abstrait digne de concourir à plus d'un festival. Car ici on est dans la matière, le ressenti. Dans la lumière. Belle, posée. Dans le temps. Celui du regard qui rentre en résonance avec le temps de la préparation culinaire. Une sorte d’image gourmande, aux flous alléchants, au travelling appétissants, aux gros plans affriolants. Des mouvements doux et onctueux. Une image de tentation, pour une nourriture épurée, une nourriture dépouillée de sa signification d’aliment, de son carcan de marchandise. Une nourriture sans âge, sans référence. Une peinture.

Ici on dirait que la nourriture se dévoile, se transforme, qu’elle quitte son enveloppe matérielle, pour devenir abstraction à la fois sensuelle et spirituelle. Sans aucun doute, ces vidéos nourrissent l’âme avant le corps.

Quitter la couleur

2011-03-06T14:00:00.001-08:00

Au détour d'un paysage entrevu d'une voiture, d'un seul coup un désir de revenir au noir et blanc. De quitter la couleur. Y revenir. Plus tard. Plus loin sur mon chemin. Plus tard dans le regard.

Pourquoi ce besoin soudain de se soustraire à la couleur ? Pourquoi cet abandon brutal ? Presque une chute. Un vacillement. Peut être pour revenir à la composition pure. Aux formes. Aux densités de la réalité. Ressentir plus que voir. Appréhender plus que capturer. Peut être que la couleur est elle la cécité de la sensation ? Revenir à une photographie d'ombres, porteuse d'abandon, de dérives lointaines. Une photographie du peu et de l'essentiel à la fois. Une photographie du sous-jacent. De l’intérieur.

La photographie en noir et blanc est celle de l'exil. Une photographie du départ. De l'oubli.

La palette magique

2011-02-17T14:11:00.000-08:00

Pour un étalonnage, j’ai eu à utiliser Colorista et surtout Looks composant de la Magic Bullet Suite de Red Giant Software

Avant cet usage, j’étais dubitatif, voire un peu dédaigneux, face à ses plug in d’étalonnage et de stylisation (pas assez puissant, application de preset). Après un usage intensif de Looks et de Colorista, je retourne casaque : Looks est un outil étonnant !

Colorista II ne s’éloigne pas d'une plate-forme standard d'étalonnage ( Primaire / Secondaire / Master,) de très bon niveau avec un keyer si puissant et si simple d’emploi qu'il renvoie celui de Color au rang de sympathique outil paléolithique et compte des outils ( Highlight recovery - Denisty - Pop) que l’on sent réellement issus d’une vraie pratique, et d’un usage simple, intuitif, le tout associé à des algorithmes de traitement de très grande qualité. Mise à part le manque de masques vectoriels, Colorista est une plate-forme d’étalonnage performante, et puissante qui n’a pas à rougir face à d’autres plates forme d'étalonnage pour du documentaire / court / reportage / institutionnel.

Looks est quant à lui un nouveau type de logiciel d’étalonnage, une vraie rupture tant au niveau fonctionnel, du workflow, de l’ergonomie. Avec Looks l’étalonnage redevient une fonction artistique, permettant un vrai travail sur l’image (relighting, matière, colorimétrie) car les outils sont à la fois très puissants et d’une simplicité déconcertante quant à leur usage. On se focalise sur le rendu de l’image et non sur l’outil qui permet ce rendu, par ailleurs servi par des algorithmes de haut niveau. Le gain de temps, par rapport à un même travail réalisé sous Color, est étonnant, et ce précieux gain de temps est mis au service de la création et non de la manipulation, et génère donc un résultat qualitatif et quantitatif impressionnant.

Looks peut tout à fait être utilisé comme plateforme d’étalonnage, épaulée par Colorista pour des problématiques d'isolation de partie d’image nécessitant un keying. De plus, ces deux plug in sont accessibles dans Final Cut Pro, After Effect, Motion, démultipliant ainsi leur usages potentiels.

Tout comme Colorista, on se rend compte que Looks a été imaginé par des gens du métier, qui voulaient un outil qui corresponde à leurs besoins et comblant leurs frustrations. Par sa nouveauté fonctionnelle, Looks ouvre un nouveau segment de plateforme d’étalonnage, réellement issue du numérique et non d’une transposition du monde de l'analogique à celui du numérique. Avec Looks, l'étalonnage se rapproche encore plus de la peinture. Une sorte de palette magique.

Les Stigmates du Spectacle

2011-02-01T04:54:00.001-08:00

Grand Corps Malade sort un nouvel album. Cela m’abat un peu. Avec ses rimes scolaires, sa musique de variet de super marché, son contenu à l’eau de rose, son flow binaire, il va encore faire frémir les foules. Grand Corps Malade est au Slam ce qu’est TF1 est à la culture : l’audience est là, mais le contenu absent. Par contre il a les stigmates du Spectacle (au sens Debordien du terme) : Il est jeune ; il est handicapé ; il est de la banlieue. Tous les ingrédients d'une série télévisée, d’un story telling journalistique, d’un roman photo. Ca fait pleurer dans les chaumière, ça remplit les salles, mais l’Ecriture dans tout cela ? Où est elle dans ce galimatias de sens, dans ce charabia d’émotions ? Nulle part.

L’Ecriture était dans les Nada, les Félix, les Ucoc, les Abd El Haq, les Yo, les Carbon, les «La Gabin» et quelques autres sur les scènes Slam des années 2000. C’étaient eux les passeurs de sens, les créateurs d’émotions, eux qui avaient l’Ecriture chevillée à l’âme et le désir des mots. Toutes choses qui relèvent de la denrée rare et non da la marchandise. Qui se savourent et ne se consomment pas.

Le flou, comme un haïku visuel

2011-01-31T04:58:00.000-08:00

J’ai été voir «Carte des sons de Tokyo» de Isabel Coixet. Film attirant. Au delà de quelques longueurs, de steadycam parfois mouvants, d’une lumière un peu trop quelconque, c’est l’usage du flou (celle de la profondeurs de champs) qui est dans ce film un vrai parti pris esthétique, un élément constitutif de la grammaire autant narrative que visuelle. Une construction. Un désir. Une peinture.

Le regard navigue dans cet univers flou et net, lointain et proche où parfois les personnes se dissolvent peu à peu dans l’abstraction pure. Ici le flou n’est pas juste une conséquence technique, encore moins un hochet esthétique ( le flou des lumière de voiture la nuit par exemple..) mais un vrai manifeste, une démarche, une construction avec une réflexion sur la répartition de l’avant et de l'arrière plan ; sur la constitution architecturale de cet arrière plan sur le rendu du flou.

Nous sommes à Tokyo. Dés lors, difficile, ne ne pas penser à «L’Empire des Signes» de Roland Barthes, disant au sujet du haïku «La justesse du kaïku qui n’est nullement peinture exacte du réel, mais adéquation du signifiant et du signifié...» c’est ce que nous donne à ressentir Isabel Coixet. Le flou est sens.

Slow Vision

2010-12-26T09:19:00.000-08:00

Comme si il voulait être à l’unisson de ces temps d'agape, ces temps du trop, du gras, du surplus, de l'excès, le Grand Palais innove en ouvrant (en janvier) 24H/24H l’expo Monet.

Si il est à l’unisson de ces temps où on se baffre, se gave, ingurgite, s’empiffre, il est à contre courant des mouvements «slow» : Slow Food (www.slowfood.fr) ou Slow City (www.cittaslow.net) qui milite respectivement, pour une nourriture de goût et responsable des impacts de la consommation et l’autre pour un rythme de vie et de développement des villes plus réfléchis, moins tournés vers l'efficacité industrielle.

Face à l’abondance visuelle, à l'outrance de l'image, à la saturation de la vision par la culture de masse, peut être serait il temps de lancer un mouvement de «Slow Vision» axé sur un accès raisonné à l’Art, une vision lente et réfléchie d’une oeuvre qui serait exposée avec langueur ? En évitant ces expositions massives, ces expositions où l’on se goinfre d’Art, ces expositions qui à force de vouloir avoir le plus grand nombre d’entrées ne sont qu’elles même leur propre produit dérivé. Une marchandise que l’on achète, puis un déchet que l’on jette. Une purulence visuelle, qui aveugle. Monet est lent.

Le nénuphar lumineux

2010-12-23T00:24:00.000-08:00

Il y a quelque chose de surréaliste (si je peux dire..) dans le fait que l'exposition Monet sera ouverte 24H/24H durant ses 4 derniers jours. Obscénité dans ce désir de voir, de faire voir, coûte que coûte, à tous prix, à tout moment, le plus possible, sans interruption. Comme une publicité. Pourquoi ne pas carrément mettre les tableaux dans le métro, entre les 4X4 de pub à la pauvre esthétique glamour des parfums, et celle carcérale des hypermarchés ?

Les gens qui sortiront de l'exposition à 3H du matin dans la nuit froide de janvier, penseront ils aux soleils de Monet ?

Que ce soit dans "Impression soleil levant", ou dans une variante du Charing Cross Bridge, ou dans "Boulevard St Denis Argenteuil effet de neige", ou "Etretat coucher de Soleil", Monet peint de la même manière le soleil : un petit rond de couleur, perdu dans le ciel trop grand pour lui. Un rond dont la matière est traitée comme les nymphéas, une sorte de nénuphar lumineux qui flotte sur notre regard. Il passe de tableau en tableau, se retrouvant aussi dans la représentions des phares des locomotives à St lazare. Comment le voir, ce vagabond de lumière, dans la nuit triste de la culture marchande ?

La cohérence du diffus

2010-11-26T12:19:00.000-08:00

ECM est un label de Jazz qui m’a toujours attiré par l’esthétisme de ses pochettes et je me souviens dans les années 1990 en avoir acheté, juste pour regarder à satiété la photographie de la jaquette; en ces temps pré-internetien c’était le seul moyen de l'avoir chez soi. Regarder ce CD, sans même l’écouter, ou bien plus tard.

Généralement une identité graphique passe par la création d’un logo censé exprimer l’activité, la culture de l’entité. Il permet l'identification, et l’attirance (exceptés pour les logos des régions, départements et autres entités territoriales qui relèvent d'une anthologie sur la misère creative tant qu'ils sont laids et médiocres...). Chez ECM pas de logo, ce sont les photographies (majoritairement mais aussi des illustrations) qui font l'identité du label, son signe de reconnaissance, son univers. C’est donc une entité complexe et changeante, les photographies, qui constituent l’identité graphique d’ECM.

A l'inverse du logo qui concentre, absorbe comme trou noir conceptuel tout le signifiant de l'activité, la démarche d’ECM repose sur le diffus, le subtil, le complexe, la diversité. Et pourtant cette démarche engendre une unicité, développe un univers, fournit du sens : la cohérence naît de la disparité.

Cette démarche n’est pas le résultat d’une étude ou d’un benchmarking, mais d’une volonté créatrice, d’un désir de beau, d'une vibration d’âme. Les photographies troublantes par leur simple pureté, sont d'une densité étonnante, comme habitées par le sens. Et chaque regard est une rencontre. Un voyage.

Plusieurs livres reviennent sur le langage visuel d’ECM (voir le site d’ECM www.ecmrecords.com pour avoir les références et aussi le livre «Sleeves of desire» Lars Mulller Publishers) en montrant une sélection, ou l’ensemble des jaquettes produites.

Windows : Une calamité industrielle

2010-11-22T13:17:00.000-08:00

Voila 25 ans que Windows a été lancé. Combien de Giga de données ont été perdues à cause de plantages de ce soft ? Combien d’heures de perdues dans les entreprises à cause de ces plantages ? Combien d’heures d’énervement à utiliser ce soft, qui tombe parfois en marche ?

Devant la pauvreté fonctionnelle de Windows, devant son instabilité, devant son absence d'ingénierie logicielle, Microsoft aurait du déposer le bilan en 1990 sous la pression de ses clients. A cette époque là, certaines sociétés comme Dbase ou Goupil ont connues ce sort à cause de ces raisons.

Mais l’arrivisme de Mr B.Gates, la cécité marketing d’IBM, l’élitisme intransigeant d’Apple ont fait que ce tas de bug est devenu incontournable grâce à ces 3 applications bureautiques.

A la lecture des articles deci delà, il faut être journaliste pour trouver que Mr B.Gates a été un grand innovateur, car il suffit de regarder factuellement l’évolution de Windows pour voir que Microsoft n’a été qu’un petit suiveur sans envergure : Apple propose l’interface utilisateur fenêtre/souris avant Microsoft ; l'environnement de développement orienté objet Toolbook copiera avec retard le merveilleux Hypercard d’Apple ; QuickTime est la première architecture multimédia ; .Net de Microsoft est une pâle imitation de JAVA, et l’iPhone d’Apple à remiser les portables sous Windows au, juste, rang d’outils préhistoriques.

Aucune des avancées logicielles de ce quart de siècle est du à cette société, qui a chaque nouvelle version de Windows disait que l’ancienne version n’était pas bonne mais celle là, attention elle sera terrible. Et les journalistes d'acquiescer. Et les journalistes de vanter la facilité de Windows et de sortir plus tard des numéros spéciaux au titre évocateur : «300 trucs pour simplifier et optimiser Windows».

Microsoft ne s’est jamais soucié de l’utilisateur : il fallait voir, dans les années 1990, les arborescences de menus de Windows CE sur le petit écran d’un palmtop et plus près de nous l’obscur barre de tâche de windows 7 et le «Démarrer/ Eteindre» de Windows Vista pour s’en convaincre.... (et penser au millier d’heures de développement pour arriver à cela..)

Bien que tout n’est pas rose chez Apple, ils ont entre autre une ingénierie logicielle de haute volée, qui fait que le Mac OS a une résilience impressionnante qui met en confiance l’utilisateur et qui leur a permis de changer 3 fois de plateforme matérielle (Motorola 68XXX / Motorola Power PC / Intel) dans une transparence quasi parfaite pour les utilisateurs. On frémi en imaginant que Microsoft aille à faire cela, alors qu’ils leur faut une versions (Vista) pour fournir un OS qui soit stable (enfin presque...).

Pour cet anniversaire les utilisateurs n'ont même pas le droit à une part de gâteau alors que Steve Balmer vient de vendre 50 millions d'actions pour un montant de 1,3 Md$ . Vous reprendrez bien un petit bug avec le champagne non ?

Triste lumière

2010-11-09T05:28:00.000-08:00

Cédant à mon faible pour les films en costume, j’ai été voir «La Princesse de Montpensier» de Bertrand Tavernier. Au delà des longueurs, et du rythme mollasson de ce film, quelle déconvenue quant à la lumière ! Si il y a quelques beaux plans, le reste est sans consistance, et les premiers plans en extérieurs sont étonnamment mal équilibrés, les hautes lumières pas maîtrisées, l’ensemble est fadasse, sans cohérence, et surtout sans modelé, sans vision. Etonnant quand on sait les moyens déployés...

Et puis au 3/4 du film des champs contre champs, qui semblent avait été tournés à 3 H d'intervalle sans récupération d’étalonnage.Vraiment étonnant.

La disparités de la qualité de la lumière entre scènes est étonnante, comme si le film était une suite de scènes et non un tout, comme si la vision globale était absente, et que le film se contentait d’un bout à bout de lumière, parfois très beau, le plus souvent médiocre.

J’étais resté sur la très belle lumière du film «La comtesse» de Julie Delpy (Voir mon post «Par la lumière, écrire» www.paperblog.fr/3198113/par-la-lumiere-ecrire/), là il y avait un vrai travail de cohérence, de structuration de la lumière. Elle avait une consistance, un modelé, une matérialité qui la faisait partie intégrante du ressenti, de la narration. Dans le film de Tavernier, la lumière n’est que là pour la pellicule, pas pour l'émotion. Ainsi meurt le regard.

La mélodie ondulatoire de la lumière

2010-11-01T12:10:00.001-07:00

L’exposition Monet au Grand Palais se targue de présenter une complète vision du travail de Monet, mais en fait (au delà bien sûr du coût des prêts et/ou du refus de prêt des collectionneurs privés) elle nous présente qu'une sélection, une vision parcellaire, au travers d’un filtre à la fois critique (ce sont les «chefs d’oeuvres» de Monet) et commercial (rentabiliser l’exposition). En consultant «Monet HD» et «HD Monet Gallery» pour iPhone (chacune coûtant 0,79E) j’ai découvert des dizaines tableaux que je n’avais jamais vu...

A l'aune de cette vision, celle offerte par le Grand Palais semble bien étriquée. Qui plus est, cette vision fragmentaire est amplifiée, décuplée, par les hors séries, les numéros spéciaux et autres résonateurs médiatiques qui font que les 15 tableaux les plus connus sont montrés en boucle, imposés aux regards, déclinés du livre d’Art au set de table, et estampillés comme savoir suffisant. Emotions marchandes, culture de la superficialité où il vaut mieux savoir que connaître, où le plaisir de masse efface, comme valeur, le désir individuel.

Quand même bien le plaisir est grand de voir de visu ces oeuvres, l’accès à un ensemble bien plus grand que le petit noyau de chef d’oeuvres vus et revus et imposés par la Critique Officielle, est nécessaire, primordiale pour qui veut appréhender l’Oeuvre Monet et de se laisser aller à sa propre sensibilité, à sa propre attirance sur des oeuvres, peut être pas majeures, mais qui nous attirent, rentrant en résonance avec nos visions intérieures, nos dérives.

Ainsi la manière dont Monet peint les feuilles des arbres ( «Sous les Citronniers» «La rivière Epte près de Giverny « ...) m’a troublé, intéressé : il y a une sorte de ballet lumineux, de frémissement de lumière, une densité vibrante offrant à nos regards en attente, une mélodie ondulatoire de la lumière. Envie de traduire cela en vidéo ; faire des feuilles une lumière vibratoire, où la couleurs serait onde. Alors, dans l’attente du retour des feuilles et du passage à l’acte vidéographique, passer studieusement l’hiver aux côtés de Monet, blotti délicieusement aux creux de ses lumières.

De l'intérêt du ciel gris de Paris

2010-10-25T12:21:00.001-07:00

Samedi dernier (23 octobre 2010) à Paris, vers les 17H, le ciel devint un camaïeu de gris, avec des touches de noir. Parfois de bleu, en trouée. L’orage se préparait. Lumière étrange, comme filtrée. Avec le gravier blanc du Jardin des Tuileries, la lumière devenait pâteuse, immobilisant, peu à peu, le paysage. La couleur disparaissait, ne laissant voir que les nuances de luminance. Le ciel gris était devenu comme une immense Charte de Gris qui s’offrait à la mesure de mon Spotmetre. Je saisis cet instant étrange de lumière, presque obscure, au bord du noir. Parfaite mesure, sans retouche, capter à même l’instant, ce paysage en déliquescence de lumière. Et pour la première fois de ma vie, j’ai aimé le ciel gris Parisien.

Les échancrures du réel

2010-10-18T13:11:00.000-07:00

Première visite (car j’y retournerais) à l'exposition Monet du Grand Palais. Un peu frustré car certaines toiles aimées et vues en reproduction n’y sont pas (Mais Monet a été si prolixe que le Grand Palais est pardonné !) mais aussi subjugué par le grand nombre de tableaux présents, offrant une immersion dans l’oeuvre, un voyage dans la lumière. Car c’est d’elle que vient l'émotion, sa présence qui fait vaciller comme dans «Femme au jardin». Et ce vert. Je ne sais pourquoi mais le vert que Monet utilise dans ce tableau et aussi dans «La vague verte» et «Paysage d’usines», m’attire, me trouble, comme un rappel, une mémoire abandonnée.

Devant la puissance de la série sur les Cathédrales (ou des Peupliers, des Meules de Foin, du Pont d’Argenteuil...), cette exploration du rendu de la lumière, la photographie HDR fait pâle figue, non pas en terme d’intérêt mais en terme de recherche et de créativité. Et de facilité. Loin de la création presse-bouton imposé par le marketing, Monet lutte, combat. Sa peinture si légère nécessite détermination, énergie, persévérance, travail,réflexion, expérimentation, erreur, engagements, errements, questionnements, recommencements. C’est cela la lumière.

Ainsi la mort en devient lumineuse ( Camille sur son lit de mort), un parquet un reflet d’eau (Un coin d'appartement), un bras de la Seine, le début du monde (Matinée sur la Seine).

Au fil des tableaux, en une lente dérive lumineuse, je me à rêver de pouvoir un jour filmer des paysages avec une caméra possédant une grande plage dynamique (comme l’ARRI Alexa) pour capter les nuances des hautes comme des basses lumières, et une fois cette matière captée, engrangée, à l’étalonnage la travailler comme un forcené, et de vibrations en résonances, de fractales de couleurs en touches de vision, de rentrer dans la lumière comme Monet l’a fait dans ses toiles, échancrures du réel, car il peint ce que l’âme voit.

L’homme sans flou

2010-10-06T13:53:00.000-07:00

Belles photos que celles d’André Kertész (Exposition au Jeu de Paume).Etonnamment presque aucune composition à un flou d’arrière plan (à part quelque unes, comme «Jambes», " Enfants Tziganes»). Des photos sur un seul plan, d’un seul tenant, un morceau brut de temps. Bien que le flou fasse partie de mon esthétisme, les photos de A.Kertész, m'émeuvent, me touchent, m’attirent. L’homme sans flou isole ma vision. La rend pure.

Un autre homme sans flou, Raymond Depardon, et ses photos de «La France» (Exposition BNF). Ici, la netteté apporte l’ennui, le déjà vu, le déjà revu, le déjà rerevu. Mais comme c’est Raymond Depardon, c’est génial, bien sûr. De plus, en terme de démarche, il me semble que dans les années 50/60 il y avait un corps de photographes au Ministère de l’Agriculture qui étaient chargé de photographier «La France», il faudrait pouvoir confronter ces regards. Ceux de ces photographes anonymes et celui de Raymond. Car le Raymond est à la photographie ce que le Marcel est à l’habillement : un esthétisme figé. Alors le regard se détourne, affamé, vers d’autres horizons.

Quant à son usage de la chambre 20x25, ils ne fait que copier, ce Raymond, bien d’autres photographes paysagistes qui le font depuis bien longtemps avant lui aux Etats-Unis ou en France. Pour les amoureux de la chambre photographie, le site www.galerie-photo.com leur ouvrira la porte de la photographie grand format, tant au niveau technique qu'esthétique. Un régal des yeux, loin de Raymond.

Nymphéas Trip

2010-09-30T13:08:00.000-07:00

Virgules, traits, éraflures, absences, matières, recouvrements, superpositions, en petites touches le pinceau de Monet, capte des instantanés de lumière, des fragments de temps. La lumière devient rivière. Elle coule, coule, calme et douce, forte et rugueuse. Sur la toile. Efface les perspectives. Construit des cathédrales de reflets, des châteaux de couleurs. Pas de matière. Pas de matière, juste la lumière. Qui fourmille, scintille, abstraite et présente. Se répandant dans les regards. Labyrinthe de sensations. Touches de pinceaux serpentant dans les regards. Dérive de couleur, aux exigeantes puretés. Lacis, traces. Chemins aussi. Abolition du ciel, qui devient liquide. N'existant que par son absence. Ses reflets. Abandonner la perspective pour la perception. Se glisser entre les touches de pinceau. Voir à l'extrême de la lumière. Notre regard. Misérable carcan, aux désuètes limites par rapport à ce que Monet nous offre. Marcher le long de la lumière, et aux portes de la perception, entrer en Elle. Ne pas revenir.

En rencontrant Monet

2010-09-27T10:31:00.001-07:00

Le Grand Palais, à l’occasion de l’exposition Monet, propose dans sa «Boutique Monet», son lot de merchandising sur Monet, avec un mug à 9,50 E la RMN assure ainsi son avenir financier (qui en 2001, avant le passage à l’euro donc, aurait payé un mug 62,23 F ?????).

Calendriers, boucle d’oreilles, foulards, bougies, posters, montres, cravates, bagues, bracelets, colliers, sacs, longue liste à la Prévert de ces babioles culturelles qui transforment une Oeuvre en Marchandise.

Cette pratique de la Marchandise, est de bonne guerre (commerciale), et cela ne gène pas la RMN, antre culturelle si il en est, mais cette fois çi, elle a poussé le bouchon encore plus loin. Sur le site dédié à l’exposition (monet2010.com), il est proposé un «Voyage» qui permet de parcourir de l’oeuvre de Monet à travers «une expérience digitale unique» dixit le site.

A part le bel effet de révélation des toiles, (comme une tache se répandant sur l’écran en une jolie progression fractale), mais quand même un peu lassant à la x ième vision, cette «expérience digitale unique», permet, en cliquant, de faire envoler la Pie sur le tableau, «La Pie, effet de neige», sur un autre tableau de faire onduler l’eau, sur un autre d’enlever le brouillard, sur un autre de faire tourner les ailes d’un moulin, et enfin de faire carillonner les cloches de la cathédrale de Rouen...

Quelle créativité ! Quelle interactivité ! On se croirait dans les années 1990, où l’on pensait que cliquer c’était faire interagir l’utilisateur... Et puis, ces interactions vides de sens qu’apportent elle à l'utilisateur comme connaissance de l’oeuvre de Monet ? C’est un pur produit marketing, du graphisme pour le graphisme, avec une esthétique maniérée de publicité. D'ailleurs l’agence qui a réalisé ce site est une grande spécialiste des sites produits en Flash (Jean Paul Gaultier, Oasis (la boisson..), Lancôme, Karl Lagerfeld.....). On comprend mieux le traitement infligé aux oeuvres de Monet, dans la lignée de la » Boutique Monet» de la RMN, ils ont fait fait le site du produit Monet.

Louis Gillet, critique d’art, a écrit en 1927, «Trois Variations sur Claude Monet» (Éditions Klincksieck). Ces textes font partie des plus beaux écrits sur l’oeuvre de Monet, ils nous apportent une compréhension sur le travail de Monet, sa nouveauté, sa profondeur, son ancrage dans l'Histoire de l’Art, le tout dans une écriture belle et attirante. Ici pas «d'expérience digitale unique» mais des mots, rien que des mots ; du sens rien que du sens ; de la réflexion rien que de la réflexion ; de la beauté, rien de la beauté.

Même si l’image est mon métier, mon moyen d’expression, devant l’image marketing, je me replonge dans les mots. Et dans les mots de Louis Gillet, je rencontre Monet.

Monet, une réalité adolescente

2010-09-21T12:01:00.000-07:00

Avant le tsunami humain et médiatique (en partie déjà commencé) de l’exposition Monet au Grand Palais, j’ai été voir «Monet et l'Abstraction» au musée Marmottant. Une exposition intelligente et belle, mettant en parallèle plusieurs œuvres de Claude Monet et celles d'artistes qui s’en sont inspirés (Kandinsky, Joan Mitchell, Pollock, Ritcher....) montrant ainsi la contribution incontournable et fondamentale de Claude Monet à l'Art Abstrait.

Au détour de la visite, découverte de deux tableaux de Monet : «Bras de Seine, près de Giverny, soleil levant» (1897) et «Charing Cross Bridge» (1899).

Dans ces 2 tableaux, la lumière est à l’état pur tant les formes sont suggérées. Un fantôme d’image, dans une sorte de désaturation qui m’a fait pensé à l'image obtenue par les cameras numériques qui fournissent en sortie une image logarithmique 10 bits (Panasonic Genesis, Sony F23 entre autre..). Etrange résonance entre peinture et numérique. Vibrations de la création se propageant d’époque en époque.

Formes diaphanes, couleurs en apesanteur, ces deux tableaux donnent à percevoir une réalité en révélation, une réalité adolescente. Une image si fragile que l’on n’ose la regarder de peur de l’effacer. Une image si fragile mais pourtant si présente, si forte, si prégnante dans la sensation qu’elle procure, dans la réalité qu’elle impose. La matière s’estompe devant la lumière, et nos yeux deviennent capteurs d’âme.

La mort du clair-obscur

2010-09-13T09:44:00.000-07:00

Le posemètre / spotmètre à main a pour moi définitivement remplacé la mesure d’exposition faite par l’appareil (Canon 5D MK II)

Sans parler de la mesure incidente, et même sans charte de gris, le spotmetre permet en faisant une mesure multiple, associée à une moyenne de ces mesures, de concevoir, de créer sa propre lumière en modulant les mesures en hautes et basses lumières sur un nombre choisis d’endroits dans la composition.On est loin de la rigidité technique et créative de la prépondérance centrale en interne de l’appareil sans parler de la mesure matricielle reine de l'interprétation et de falsification de la lumière.

De mes multiples essais, il apparaît que les algorithmes de appareils photos sur exposent la photographie. Sur-expose n’est peut être pas le bon terme, les algorithmes lissent la lumière, rien ne doit rester dans l’ombre, tout doit se voir, tout doit être montré. Alors on rehausse les basses lumières, on égalise, on gomme la pénombre, l'exposition technique tue le clair-obscur.

Ainsi donc depuis 60 ans (depuis les années 50 où les Japonais ont, de fait, le monopole de la fabrication d'appareil photo), notre regard a été éduqué, déformé à une perception lisse, sans altérité, une expositions sans accro. C’est un procédé technique qui répond à un besoin marketing : une lumière plus simple à décoder, plus accessible à chacun, apte à satisfaire le plus grand nombre. Une lumière qui éclaire mais ne trouble pas, une lumière morte, qui ne donne pas à penser, seulement à voir.

Alors, il faut revenir à la singularité, composer la lumière comme on compose le cadre. Et devant cette altération de la perception, il faut ressusciter le Clair-Obscur. Le renouveler.

Passer au posemètre à main, c’est se réapproprier la lumière, c’est passer d’une lumière technique et marketing à une lumière créative et personnelle. C’est créer tout simplement.

Réintégrer à l’intérieur de soi la perception, avec un regard lumière et un regard de composition, et encore et toujours revenir à la peinture. Exposer comme Le Caravage peint.

Misère et tristesse de la Marchandise

2010-09-07T13:46:00.001-07:00

C’est la rentrée. Pour le Luxe aussi. Chanel et Dior nous gratifie de film -publicité. : un 30 secondes réalisé (?) par M.Scorsese pour l’un et un 16 mins (!) réalisé (?) par D.Lynch pour l’autre.

Quelle misère esthétique. Quelle tristesse visuelle. L'esthétique est si codifié, si maniéré, si rigide que l’on croit que l’on a déjà vu 100 fois ces films. Le Luxe n’a rien à dire. Sauf : acheter.

Dans ces deux films (?), à part les produits il y a aussi des acteurs (?) et actrices (?). Dans l’un (Chanel) le mannequin s’essaye à la comédie (scène où elle refuse le baiser et s’en va), c’est un jeu bien appuyé, tout en lourdeur. Pitoyable.

Dans l’autre (Dior) Marion Cotillard est à l’apogée de son art dans ce rôle où tout n’est que exagération et appui. C’est vrai que la différence entre une «biopic» et un film produit est maigre, tant les deux sont de la marchandise avant d’être du cinéma.

Et puis il y a la terrifiante audace visuelle de Mr D.Lynch qui foudroie le spectateur : des filés de lumière la nuit et des trainées de mouvement dues à un prise de vue en obturation lente. Mon dieu ! Du jamais vu ! De la pure invention ! On se pâme devant tant de création. On frémit devant cet d’avant-gardisme si subversif.

Il semblerait que l'esthétisme du luxe se réduit à montrer des choses chers : 1 suite d’un hôtel 5 étoiles + 1 David Lynch ; 1 parfum + 1 Martin Scorsese ; 1 sac + 1 Marion Cotillard. Mais cela fait il un film ? Mais cela créé t-il une sensation ? Mais cela génère t-il une sensation ? Bien que le story board de chaque publicité est dicté par les études de marché, on peut se demander, devant cette béance de la création, si les pubards du Luxe ne font pas fausse route et qu’à force de présenter du vide, ils ne récoltent que du vide.

Et puis, Mrs D.Lynch et M. Scorsese ont ils des fin de mois si difficile pour se vautrer ainsi dans la fange du Luxe ?

De la lumière du Panthéon

2010-09-02T13:17:00.000-07:00

Rome. Découverte. Première fois. Ville colorée. Immeuble décor. Bleu du ciel. Calme. Douceur. Pavés noir des rues. Labyrinthe de fontaines. Pin parasol au coeur de la ville. Jardins tendres de la Villa Borghese. Lacis de ruelles. Se perdre. Ruines surgissantes dans le présent. Fresques. Tableaux. Sculptures. Eglises. Basiliques. Saturées de couleurs.

Et dans cette exubérance colorée, le camaïeux de gris du Panthéon et sa lumière si douce. Si troublante. Venant du haut par l'oculus, la lumière diffuse, douce, pleine, porteuse de regards et de désirs lointains.

Dans cette lumière qui emplit et pénètre, loin des Dieux, l'exposition de la photographique devient dialogue avec cette atmosphère lumineuse. Presque, proche du sacré. Le gris émeut. Capter ses nuances, ses enluminures sombres. Ici la lumière est matière et l’exposition photographique la sculpte. Patiemment. Car pas de braketing, ni de mode HDR, illusions technologiques, mirages marketing, mais ressentir la lumière, l’évaluer, la comprendre, la mesurer avec le spotmetre. Se tromper. Recommencer. Affiner. Choisir.

Prendre son temps. Etre lent. Etre dans le temps de la lumière. Cette lumière toute en ombre, qui est à peine altérée par la marque de l'oculus faite par le soleil, qui glisse, silencieuse, sur les murs au fil des heures. Seule trace de présent dans cette immortalité faite lumière.

La Marseillaise numérique

2010-08-23T10:41:00.000-07:00

J'avais pris connaissance avec une certaine désespérance que le jour de son lancement le site france.fr se plantait faute à une base de données mal calculée...En 2010 ne pas être capable de lancer correctement un site si peu complexe ( voir plus loin) m'étonnait a peine de la part de l'informatique Gouvernementale et/ou Administrative ayant eu a me frotter à la déclaration par Internet pour être Auto Entrepreneur : le site ne fonctionne pas sur Mac ! Alors que ça fait bien 10 ans que tous les grands sites savent gérer tous les navigateurs avec leurs différentes versions, à première vue pour l’URSAF faudra attendre dix ans de plus, sans compter que la télé déclaration ne fonctionne pas si on a, comme moi, deux numéros de Siret, ce qui enlève du charme, on en conviendra, surs les facilités, claironnées par le Gouvernement, induites par internet pour la gestion de ce statut.

Quand le site france.fr a été de nouveau en ligne la première chose qui m'a sauté aux yeux c'est l'extreme pauvreté de la charte graphique qui reprend celle de "20 minutes" : un code couleur par rubrique et des aplats de couleur pour structurer la page. Du tout venant, du quelconque.

A la lecture du «Canard Enchaîné» j'apprend que ce design basique émane de Ora-ïto, le directeur du SIG (Service d’Information du Gouvernement) a fait appel à ce Monsieur, designer de son état et coqueluche des gazettes et des magazines car il trouvait que la charte proposée par l’agence retenue sur appel d’offres faisait "ringard". On imagine sans peine ce que ça devait être....

Etrangement France.fr est un site vide, qui a un très faible contenu éditorial et une iconographique moyenne et qui ne fait que renvoyer vers d'autres sites. Il y a si peu de texte que le blanc est ce que le voit de plus, et pour donner un peu de matière à la page, on a pas oublié de mettre en fond, comme un filigrane, une carte de France. Quelle audace conceptuelle !

Au delà des sommes astronomique engagées pour la création de ce site proche du vide («Le Canard Enchaîné» parle de 100 000 Euro pour la Charte Graphique, 28.000E pour le logo, 3 Millions d’Euros pour la conception globale, hébergement) c’est la pauvreté du design (et du contenu) qui est le plus affligeant, le plus dérangeant.

On avait eu le site Désirs d'Avenir, maintenant on a le site france.fr : A quand le prochain naufrage graphique, la prochaine Bérézina de l'esthétisme, le prochain juin 40 du design web du site politique ?

Quand on voit ce que ces politiciens font en pensant être le nec plus ultra du design numérique on frémit en pensant comment ils imaginent nos vies, nos besoins, nos peines, nos désirs. Alors tous en coeur, entonnons :

Au Web citoyens !

Tous à vos souris

Créons, créons

Qu'un design pur

Abreuve nos écrans

Cinémot : Filmer avec des mots

2010-08-10T14:04:00.000-07:00

Paris, je t’aime au petit matin d’été

Quand tu es désert, et vidé.

Que tes rues reprennent leurs espaces

Et que j’y déambule sans laisser de traces.

Sans laisser de traces sur le corps de tes rues

Mais où, j'y laisse d'infinies caresses, des festins nus

Des Polaroids secrets, de tes avenues dépecées

Par le vide. Pas de foule, pas de gens, juste un silence lesté.

Juste un silence lesté, par le murmure de bruits lointains,

Tes poubelles qui débordent de papiers crasseux,

Un journal froissé dépasse : "Séisme à Kyoto, 234 morts"

Des mots cachés par d'autres oripeaux, d’autres décors.

D'autres décors derniers les volets fermés sur les fenêtres

Des rideaux tendus sur des vitres opaques à la vie

Qui s'insinue dans tes rues, une voiture qui passe

Seule sur l'avenue, le bruit qui décline doucement.

Doucement, le soleil s'infiltre dans tes rues

Donne vie aux ombres, qui s'allongent sur le bitume

Vert, orange, rouge, minable arc-en-ciel des feux rouge

Sur ton ciel bleu tout neuf, des lumières vides qui clignotent.

Qui clignotent comme le gyrophare

Aspergeant ses rayons sur les alentours aux timides lumières

Arrestation, revolvers pointés, hommes allongés sur le sol

Nuits de deal, argent menottes aux mains.

Aux mains qui indiquent le chemin

A un couple de touristes Américains égarés

Deuxième à droite et puis tout droit.

Le SDF qui se réveille engourdi par une courte nuit.

Une courte nuit qui s'enfuie, chassée par les reflets sur la Seine

Vue du Pont de la Concorde, un vélo qui le traverse

Plus loin, plus loin, les cafés préparent leurs terrasses, dépilent leurschaises

Regard travelling assis dans le taxi qui glisse dans le sillage de l'avenue.

Dans le sillage de l'avenue, un homme titube

Vomi, agenouillé à terre, tache sa veste.

Doux froissements des feuilles des arbres, par la brise du matin

Joggers harnachés de muscles qui me frôlent.

Qui me frôlent, comme ces souvenirs

Du 14 juin 1940, tu étais alors, Paris,

Ville ouverte, ville muette, déserte,

l’Allemagne rentrait dans ce vide.

Dans ce vide qui ornent ce matin tes bancs

Tes arrêts de bus, tes panneaux publicitaires

Femmes lingerie, pose lascive de la marchandise

Qui s’expose aux yeux absents.

Aux yeux absents que comblent mes instants photographiques

Happant ce dimanche matin Parisien.

À la terrasse du café, deux amoureux blottis

Dans leurs baisers, qui emplissent le monde et mon viseur.

Et mon viseur, qui te capte Paris,

Qui capte ton matin, ton silence, tes espaces,

Qui enregistre tes souvenirs, tes détails, tes envies

Paris, tu exposes ton corps, que je surprends dans l'attente.

Dans l'attente.

La lumière est chair

2010-08-08T13:50:00.000-07:00

J'avais une vision purement technologique de la qualité d'exposition m’imaginant que l'exposition matricielle du niveau d'un Canon 5D MK II serait quasi parfaite. Mais aussi évolué soient ils, les posemètres mesurant en lumière réfléchie ne savent pas ce qu'ils voient. Que ce soit en photographie ou avec le zébra d’une caméra, ils voient mais ne ressentent pas.

Pour eux le monde est en gris et la base des algorithmes d’analyse a pour référence la réflexion d’un ton moyen, neutre, a mi chemin entre le noir et le blanc : le (fameux) gris neutre a 18 %. Ils excellent quand la scène photographiée à une répartition homogène des tons. L’exposition calculée est une moyenne ; le rendu est donc moyen. Lisse.Plat. Consensuel. Il plait par son absence de déséquilibre. Tout y est. Tout est montré. Obscénité.

Et pour peu qu’il y est des zones blanches et/ou noires, celles ci seront rendu plus gris pour le blanc, moins noir pour le noir. On s’habitue aux mensonges.

Bien que j’étais déjà revenu à une mesure avec prépondérance centrale pour avoir à minima une exposition plus modelée (mais sur les posemètres intégrés, la zone de mesure dépend de la focale utilisée) en approfondissant l ‘étalonnage des caméra RAW, je me suis dis que l’achat d’un posemètre/spotmeter à main devenait une nécessité. Un besoin.

Mes premiers essais en mesure incidente furent une révélation.

Je ne pensais pas que ce type de mesure (on mesure la lumière tombant sur l’objet à photographier et non la lumière réfléchie par cet objet) pouvait être aussi radical dans l'esthétisme.

La matière a un velouté, une présence, une attente troublante. Une texture aux confins de la réalité. Une offrande au regard. Ce regard qui ne se pose plus, mais caresse. La lumière est chair. C’est la lumière du sens. De la sensation. De l’émotion.

Certaines photos ressemblent aux tableaux de l'Ecole Hollandaise du 17ème siècle. Cette école de l’ombre et de la lumière se poursuit dans la mesure en lumière incidente, car on y découvre (par ce type de mesure et la précision du posemètre) l’incroyable versatilité de la lumière : un léger décalage dans l’endroit de la mesure, et on se retrouve sur/sous exposé. Il faut percevoir la lumière pour la mesurer.

Pas de miracle donc, la mesure en lumière incidente reste un outil qu’il faut maîtriser par un lent apprentissage, une grande modestie. Le pinceau ne fait pas le peintre.

L’étrange beauté n’est pas dans la moyenne mais dans la singularité. La mesure en lumière réfléchie (excepté faite celle réalisée sur un gris à 18%) ne peut offrir qu’un rendu mécanique, une sensation abandonnée de toutes singularités, de toutes altérités. Une émotion sans déraison.

Mais voila, la lumière est création. Et de l’exposition à l'étalonnage on se doit d’être à la hauteur de cette ambition. S’engager. Prendre parti. Combattre. Redevenir peintre.

Nos aubes vous oublieront.

Le flou de la Redoute

2010-07-26T05:19:00.001-07:00

Je feuilletais récemment le Catalogue de la Redoute. Dans la partie habillement, les mannequins Hommes et Femmes sont photographiés avec une faible profondeur de champs, ils se détachent sur un fond flou (rues, café, ..). Mais ce flou n’a pas d’apport esthétique, il n’est que technique, normatif. Pure artifice. Il ne construit pas, ne structure pas. Il est vide. L’image est transparente. Elle est marchande.

En écho de «Peinture / Photographie / Film « de Laszlo Moholy-Nagy résonne Ombre / Forme / Flou / entrelacs mirifique, trinité merveilleuse, lacis enchanteurs où passent et repassent mes photographies. Sans fin. Le flou est de l’ordre du regard. Du désir. Il doit être travaillé, ciselé. Patiné. Changer de diagramme, de distance focale, de mise au point. La matière sur laquelle il s'applique doit être choisie, repérée, étudiée, tout ne se prête pas au flou, ultime refuge de la vision.

Nous ferons taire la nuit.

Dichotomie de l'émotion

2010-07-07T12:36:00.000-07:00

J'ai étalonné dernièrement le film de James Nicholson " Nobody Knows My Name". C’est la seconde fois que je travaille pour ce jeune réalisateur franco-américain dont les images, sa manière de filmer m'avaient tout de suite attiré. C’est est si rare ce talent de cadrage, de composition. D'avoir créé sa propre écriture cinématographique, sans artifice technique ou d'effet. Une écriture au service du sens.

Dans Nobody Knows My Name (un docu fiction sur un membre des Black Panthers qui en 72 détourna sans violence un avion vers l'Algérie et qui depuis plus de 35 ans vit en exil en France), vers la fin du film, le personnage principal regarde Paris depuis les hauts de Belleville, une larme coule sur sa joue.

Quand le film a été projeté à l'Elysée Biarritz, cette image m'a émue.

Mais au temps de l'étalonnage pas d'émotion ; pourtant je l'ai vu plus d’une vingtaine de fois ; pourtant en l'étalonnant j'ai peaufiné son rendu pour que la lumière contribue à cette émotion. Mais à ce moment là l’image n’était que lumière, matière. Elle n’était qu’image et non sensation. Plus tard lors de la projection elle sortira de sa gangue technique pour devenir émotion.

Etrange dichotomie qui a la fois sépare et assemble, éloigne et rapproche. Plaisir de vivre cela.

Nous sommes les descendants de nos futures visions

L’iPhone, le Leica du numérique

2010-07-01T09:51:00.000-07:00

Apple, en 1994 avec la gamme QuickTake s’est essayé, sans succès, au marché de la photographie numérique grand public. Avec l’iPhone (le 3GS et maintenant le 4) Apple trace (sans trop le savoir !!) le chemin de la Nouvelle Photographie en associant matériel et applications.

Le numérique ne signifie pas que numérisation du média mais aussi, mais surtout, logiciel. C'est a dire traitement de l'information. L’iPhone propose une base matérielle (photographique + communication) pilotée par des applications offrant un environnement créatif sans précédent.

Mon iPhone n’est pas «un» appareil photo mais plusieurs :

«Joiner Camera» pour faire des collages dadaïstes temps réel et du bout des doigts, «Snapy» pour déclencher sur un mouvement et développer une esthétique du filé, «iMotion» pour développer celle du stop motion....

Sans compter les possibilités de communication permettant des cadavres exquis planétaires mélangeant photographies, mots, sons, comme un peu ce que propose «Collage Fantasy» qui fait de l’iPhone un outil du hasard, un outil Dadaïste.

Comme le Leica M en son temps, par son petit format, créa une nouvelle vision, une nouvelle esthétique, l’iPhone est en train de créer une nouvelle photographie par son intégration numérique.

Bien sûr la "photo" traditionnelle n'est pas (encore) morte et coexiste mais le processus est engagé et dans 30 ans nous regarderons les canon 5D MK II ( et les autres ) comme aujourd'hui on regarde les chambres photographiques de Daguerre et les cameras 35mm à manivelle : comment pouvait-on faire des photos ou des films avec "ça" ??

Depuis Daguerre on prenait des photographies aujourd'hui avec l'iPhone on capture l'instant. Et nous passons ainsi de la lumière à la création.

Nos images aveuglantes ne nous méprisaient pas.

L’avant garde du passé

2010-06-27T13:59:00.000-07:00

Le Studio Harcourt met en ligne ces prestigieux (dixit le www.monde.fr) portraits. Franchement les portraits Harcourt c’est le label Qualité France des films des années 50, la photographie percluse de tradition, l’avant garde du passé.

Le design de la vidéo proposant ces portraits est pathétique : tout empreinte d’un obséquieux esthétisme, qui se veut élitiste mais qui n’est que l’expression de stéréotypes du beau de la Bourgeoisie où rien ne bouge. Rien ne vit.

Ces portraits dégagent un incroyable immobilisme dans la composition, une extraordinaire nécrose de l’expression artistique, une fantastique sclérose de la création.

On peut gausser à satiété sur la qualité de la lumière, la mise en scène qui font la griffe des Studios Harcourt, de donner dans le «révéler à la lumière la quintessence de l’âme» ou «inventer l’invisible» (extraits du site d’Harcourt www.studio-harcourt.fr), les portraits Harcourt ne relèvent pas de la photographie mais de son absence.

Dans nos veines coulent nos rêves.

Mauvais temps sur l’Image

2010-06-15T07:49:00.000-07:00

Apres le Festival de Cannes et Rolland Garros et avant le Tour de France, la Coupe du Monde de Football, c’est mauvais temps sur l’Image tous les jours.

Un mois de photo de visages en sueur. De bouches vociférantes. De mains levées. De figures peinturlurées. De bouches criantes. De houle de la foule. De la couleur. Du gros plan. De la double page. Du ralenti. Du portrait.

Il n’y a pas de "culture foot" (une de Télérama), ou de Foot attitude, la glorification de l'effort, la célébration des sports de masse, le culte de la personnalité ( Z.Zidane) sont les ingrédients de l’Image qui contrôle la pensée, asphyxie la volonté et l'apanage des Sociétés Totalitaires ou du moins Policières.

Le déluge d'images dirigées ne relève plus du ««Reichsministerium für Volksaufklärung und Propaganda» de J.Goebbels, mais c'est plus pernicieux : maintenant c’est cool de communier dans l’effort pour la Nation, et d’ailleurs nos «Bien Pensants» ne font pas la fine bouche, ne froncent pas les sourcils, ne se bouchent pas le nez devant cette Image au service du comportement, à cette occlusion de la pensée par l’Image oblitérante.

Pourtant, les mêmes sont bien prompt à faire de Leni Riefenstahl le parangon de la compromission de l’Image et de la Politique. Leni Riefenstahl, avait au moins (hélas) du talent par rapport à nos faiseurs d'image d’aujourd’hui.

A nos yeux fatigués nous léguerons nos souvenirs.

Enter the color

2010-06-06T11:06:00.000-07:00

Je ne suis pas attiré par les couleurs mais par leurs usages. Pourtant, ou à cause de cela, j’ai été voir «Enter the Void» de Gaspar Noé.

Des longueurs (beaucoup). Des faiblesses (beaucoup). Des facilités (beaucoup). Mais indubitablement une écriture de peintre narratif.

Ici le flou devient un élément constitutif de la narration. (Quel beau plan que celui où Linda apprend la mort de son frère). Un flou, mais pas seulement celui de la profondeur de champs, un flou total, maîtrisé, qui donne à voir.

Et la couleur, manège des regards, chemin de sensations. Pourquoi n'accepterions pas cette vision, cette déclinaison du Fauvisme dans le Cinéma ? Le réel devrait il être la réalité ?

Dans cet univers pictural, étonnement, la bande son m’a semblé toujours être présente, accompagnant le regard, sans l'interrompre, se faufilant entre les couleurs, le son coulant de séquence en séquence.

Film peinture, la post production représente les 2/3 des effectifs, d’une manière identique à «Avatar», les images captées ne sont que de la matière, le support pour peindre l’image. Dans «Enter the Void», la veille écriture cinématographique de la sémantique des valeurs des plans, du triptyque champs / contre champs / plan de coupe est brutalement effacée, mortellement blessée par la couleur et le flou.

Certainement, même à l’heure du numérique, cette écriture désuète aura une longue agonie, mais, on le voit, son renouvellement est déjà annoncé. Et sa fin est inéluctable. Elle périra.

La réalité sombre

2010-05-31T11:50:00.000-07:00

La vision numérique ne concerne pas seulement la représentation binaire de la réalité mais la manière de rendre visible cette représentation. Le raw est véritablement numérique car la représentation de la réalité n'est que calcul.

Modifier ou changer la balance des blancs sur un film «non raw» est une forme analogique de modification, et quand bien même on utilise des formules mathématiques c'est une altération de la représentation, la réalité n'est pas refaite mais altérée. Transformation.

Pour un film au format raw on n'altère pas la représentation, on la recrée. On réinjecte les nouveaux paramètres sur les données brut du capteur, et on recrée une nouvelle représentation, non pas par une altération mais par un recommencement. Renaissance.

Le capteur voit la réalité que sous forme d'intensité lumineuse, une réalité monochrome, matinée de vert. La couleur y sera calculé via les informations d’un filtre Bayer par exemple, ainsi que la balance des blancs, le contraste, la saturation etc..

Le raw est donc un calculateur de réalité. Il capte une réalité objective privée de sens, les paramètres que l’on injecte pour le développement, pour rendre visible, crée la réalité subjective, celle qui fait sens, qui fait regard. La réalité n’est donc pas ce que le capteur enregistre, mais ce que l’on fait de ces informations.

Le raw n’est pas une chambre noire, mais une chambre grise renfermant une réalité sombre, un réel en attente d'existence.

La dialectique du flou

2010-05-28T23:39:00.001-07:00

Le flou est un élément fondamental de la composition filmique. Il dilue les formes, les couleurs, la lumière. Le mouvement alors, devient trace lumineuse et la lumière redevient onde. Le flou par son opposé, le net, met en valeur, met en lumière, met en forme. Et le regard se pose sur l'indistinct entre deux, cette déclinaison du flou en subtils enchevêtrements de netteté, cette dérive de la netteté en d’infinis fragments.Glissement progressif du net au flou en dégradés étranges, en zones effleurantes

Presque caresses, érotisme de la perception.

Par cette dialectique, l’image donne à voir une réalité qui s’efface, qui s’éclipse pour aborder l’Abstraction créatrice de sens, pourvoyeuse de sensations.

Comment reconnaître dans la rue, un étalonneur ?

2010-05-18T12:00:00.000-07:00

Certainement qu’il est plus facile de trouver grâce aux Nike coloriées à la demande :-) ) un étalonneur dans la rue que de trouver du Cinéma au Festival de Cannes.

A Cannes pas de Cinéma, que du Spectacle.

Alors pour combler mon spleen d'image ; alors pour effacer de mes yeux la misère médiatique de cet événement, j’ai commencé, avant de le lire, à feuilleter, à caresser des yeux, le livre de Siegfried Kracauer «Théorie du film. La rédemption de la réalité matérielle» un essai sur le cinéma parut en 1960. Magnifique titre qui m’a émut car il porte en lui l’essence même de l’image, celui de notre désir à la capter, à la travailler.

Alors quand en 2010 JL Godard fait encore figure d'avant garde et fait encore frémir Télérama, alors quand l'industrie cinématographique fait salon, retour aux sources, à l'étude, au questionnement, au doute.

Loin du Spectacle, près de l'Image.

Gamma Sûtra

2010-05-13T10:43:00.000-07:00

Le plaisir de l'exposition juste. La jouissance des ombres pleines, des hautes lumières denses, des tons intermédiaires tout en richesse, d’un gamma en pente douce pour y puiser dedans lors de l’étalonnage. Prendre le temps de l'évaluation de l'exposition, de comprendre la lumière que l'on capte, de s'attarder sur sa valeur en terme de sens et pas seulement sur ces valeurs de diaphragme, de vitesse, de sensibilité.

Le zebra ou l’exposition matricielle plus ou moins évoluée fournie une exposition de qualité moyenne c’est à dire, qu’elle plaît à tous les regards sans en satisfaire un seul.

Revenir à une exposition particulière, abandonner les chemins tout (trop) tracés des moyens (trop) perfectionnés pour reprendre les chemins lents et buissonniers de la l'appréhension de la lumière.

Revenir à la réflexion, à l’usage du Spotmètre, car prendre une photo c’est prendre la lumière.

Par la lumière, écrire.

2010-05-08T11:50:00.000-07:00

Magnifique travail de la lumière de la part du Directeur de la Photographie Martin Ruhe dans le film de Julie Delpy "La Comtesse". Un travail, tout en blancheur, en couleur de peau, en jour rentrant par la fenêtre. Miroir des corps exsangues aux couleurs mortes. Un travail délicat, toute en nuances subtiles, en variations ténues. Certains plans fixes relèvent sans ambiguïté aucune des peintres Flamands. Alors, l'image est toile, et donne au regard cette sensation de matière, d’ombres qui ne cessent de se perdre dans les creux des robes, de blancs qui ne cessent de s’abîmer en perpétuelles variations. Lumière narration, lumière constitutive du récit, son architecture intérieure, les arc boutant du sens. Lumière écriture.

A la lecture du générique, j’ai pu voir que ce film a été tournée en 35 mm et numérisé via un Arriscan et quant bien même, à ma grande déconvenue :-) l’étalonnage est noyé dans la partie post production (je n’ai pas pu distinguer le nom l'étalonneur !), car certainement que technique, on voit dans le travail de Martin Ruhe, que c’est celui, d’un auteur à part entière, un auteur qui par la lumière, écrit.

Eloge du Raw

2010-05-03T14:19:00.000-07:00

Après études des workflows je suis en train de passer à l'étalonnage de flux DPX / Raw (comme par exemple pour les Cameras Red ou Arriflex Alexa).

Je quitte le monde du bruit numérique, le monde de la vidéo, pour me plonger avec délice, désir, volupté dans le monde du silence numérique, celui du Digital Intermediate celui du Raw (et du DPX en «Log C»), car ici toute est matière, densité, nuances, courbes. Plénitude.

En fait étalonner de la vidéo est une hérésie, un non sens. On étalonne une matière figée, une matière morte, et plus la prise de vue est de mauvaise qualité, plus cette matière est fragile, et s'effrite à l'étalonnage. On n’étalonne pas de la vidéo, on colmate, on répare, on améliore souvent, on créé parfois ( quand même !)

Dans le monde du Raw, l'étalonnage est à la fois une nécessité technique et une contribution créative au film. Car dans ce monde, l’image est latente, en attente. Une naissance certainement.

Dans ce monde, on façonne la lumière dans une matière souple, pleine. Un monde où l’on révèle, où l’on extrait la lumière. Dans ce monde, l'étalonnage fait sens car il est l’interprète entre la matière et la vison du Réalisateur et du Directeur de la Photographie. Car pas d’illusion, quand bien même si le Raw offre une souplesse inégalée, le rôle du Directeur de la Photographie reste essentiel, primordial, incontournable par son savoir faire de capteur de matière lumineuse.

Eloge du Raw, où la prise de vue capture la réalité et l'étalonnage la met en lumière.

Le vrai du flou

2010-04-23T11:54:00.000-07:00

Comme j'aime New York j'ai été voir "New York, I love you", dans cet exposé niais de mièvreries amoureuses ayant pour décor New York, la partie intitulée "Hotel Suite" réalisé par Shekhar Kapur a retenue mon regard a défaut de mon intérêt.

A un moment il y a un très beau plan : nous sommes face à une porte fenêtre encadrée de rideaux blancs, l'ambiance est très lumineuse, très blanc (pas sur exposé, non le blanc a de la matière, du mouvements, des ondes : beau travail du DOP et de l'étalonneur !). A droite , en accroche, il y a le dos de Julie Christie, qui regarde le garçon d'étage de l'hôtel aller vers la fenêtre. A cet instant la profondeur de champs est minimale, le flou est à son maximum ; alors la silhouette de l'acteur devient filigrane, dessins, lavis, se diluant dans le blanc de la fenêtre. A ce moment nous quittons l'image pour la peinture, la narration pour la poésie, le regard pour l'émotion. A cet moment, le flou est oeuvre, écriture. Comme si la réalité s'exprimait mieux quand estompée, elle disparaît à notre regard.

Toucher la couleur

2010-04-05T12:36:00.001-07:00

L’iPhone et encore plus l’iPad, ouvrent la voie aux interfaces tactiles. Comme la suite «iWorks» a été réécrite entièrement pour l’iPad et son interface tactile, on peut imaginer, du moins rêver pour l’instant, des nouveaux logiciels de montage et d'étalonnage entièrement basés sur une interface tactile, du plus basique, un pupitre d'étalonnage virtuel , au plus avancé avec des créations de masque ; des réglages colorimétriques par induction tactile ; des créations d'arbre d’effets par des gestures spécifiques.... En supprimant l’interface médiatrice (souris, stylet) entre le désir et l’action, l’interaction sera corporelle, on pourra toucher la couleur, effleurer la saturation, frôler la luminance. Alors l'étalonnage (re)deviendra peinture.

Les Nouveaux Méliès

2010-03-29T13:08:00.000-07:00

J’ai été voir en 3D, par curiosité, «Avatar» et par goût «Alice au pays des merveilles»

Ces 2 films ne font pas de la 3D un usage d'attraction visuelle (bien que parfois j’ai rentré la tête ds les épaules quand une tasse volait bas ou qu’une pointe de lance transperçait l’écran...), mais un usage esthétique qui donne une matière à l’image, une sorte de consistance visuelle.

Mais au delà du 3D, c’est la création numérique ex-nihilo de décors, paysages, personnages et l’intégration de personnages vivants qui fondent une nouvelle ère de création. Avatar a établi les bases d’une chaîne de production de Motion Capture, qui vont devenir les fondamentaux des production futures. Ce n’est plus de la réalité virtuelle (tout peut être vrai ) mais de la véracité virtuelle (tout semble vrai).

Un basculement aussi dans les fonctions, j’ai regardé jusqu’à la fin le générique d’Avatar : la partie concernant la production en terme de prise de vue du «réel» représente 25 % (à la louche ! ) le reste c’est la post production, la création de ce qui n’existe pas.

Ce sont les Nouveaux Méliés, cependant, même pour T.Burton, ils leur manquent la poésie de leur précurseur pour en être les dignes continuateurs.

Levier de perception

2010-03-09T07:54:00.000-08:00

Loin des lourds effets colorimétriques que certains films font usage pour parfaire leur trame dramatique (où en plus méchant pour palier à sa faiblesse, voire son absence ! ), l'étalonnage est le plus souvent dans la subtilité, la finesse, le juste geste.

Une correction mineure, un ajout léger, une modification gracile ont le plus souvent un effet de levier en terme de rendus, de perception, bien plus qu’un lourd ensemble de modifications.

L'étalonnage ne crée pas à proprement parler, il doit rentrer en résonance avec l’image du D.O.P et le sens du Réalisateur, agissant comme un révélateur de la latence.

Une couleur est partie

2010-02-01T08:40:00.000-08:00

Mon père est décédé le 9 décembre 2009.

Altération de la perception de la vie.

Mais elle continue, la vie ; les couleurs aussi.

Critiques ! Encore un effort pour apprécier l'étalonnage.

2009-11-10T14:15:00.000-08:00

Bon comme tout le monde j'ai été voir "Le ruban blanc", après les dithyrambiques critiques sur le travail du chef opérateur Christian Berger...
Que dire ? C'est un noir & blanc on ne peut plus classique, voir classieux, sans intérêt esthétique particulier mais qui convient parfaitement au propos et la vision du réalisateur Peter Hanneke.
Bien que Christian Berger a expliqué qu'en complément à son travail, à l'utilisation de négatif 35 mm, le rendu final devait beaucoup à l'étalonnage numérique, les critiques "teleramanesques" n'ont retenues que le "formidable travail du chef opérateur", l'étalonnage ( sans parler de l'étalonneur !! :-) ) étant passé à la trappe sans doute , certainement, par ignorance de ce travail qui peut être intiment lié à celui du chef op.

Je ne jette pas la pierre à ces critiques patentées de l'image qui s'extasient sur un film N&B par le simple fait qu'il est Palme D'or à Cannes, et qui méconnaissent l'étalonnage, ils montrent par là, leurs petitesses intellectuelles qui sous tend leur perception de l'esthétisme. Non, je note seulement que l'étalonnage est encore en devenir dans l'histoire de l'image.

Le double enchevêtrement

2009-10-08T23:45:00.000-07:00

J'ai étalonné dernièrement le teaser d'un long métrage d'un jeune réalisateur franco américain James Nicholson.

Son travail m’a marqué, car j’ai ressenti que l’image n’était pas là pour capter, véhiculer la narration, mais que l’image était partie intégrante de la narration, qu’elle était intimement enchevêtrée à la narration. Dans cette image, la caméra n’est pas un objet neutre qui capte, qui donne seulement à voir, elle n’est pas en dehors de l’action, elle est dans l’action, sa composante à égalité avec les acteurs/actrices. Pour atteindre cet enchevêtrement, pas de mouvements alambiqués de caméra, mais pour chaque plan une composition rigoureuse, puissante, juste. L’image est ici sens et langage, elle narre autant qu’elle montre.

L'étalonnage de ces images m’a donné l’impression (trop rare je l’avoue...) que j'étalonnais non plus une image, mais une matière photographique, que l’étalonnage tant technique qu'esthétique, s’enchevêtrait avec l’image, que l'étalonnage était dans l’image comme une composante à égalité de la représentation.

Color horribilis

2009-10-08T11:37:00.001-07:00

Dernièrement pour un client j’ai eu à faire un montage/habillage (il faut bien vivre !) d’une dizaine de vidéos provenant de différentes agences, et toutes évidement dans le domaine de l’institutionnel.

Aucune étaient étalonnées. Toutes comportaient des balances de couleur à corriger, des gamma à reprendre, des noirs à revoir. Une image fade, sans saveur. Des images incomplètes en quelque sorte, et qui paradoxalement sont censées transmettre un message. Comment cette incomplétude peut elle être gage de la pertinence de la communication ? Comment se satisfaire d’une image qui ne contribue pas au sens ? Comment donner à voir une image sans finition ?

Ne pas être conscient que l’image tournée est brute, et que l’étalonnage (pas le filtre “Etalonnage 3 voies’ dans FCP, mais un «vrai» étalonnage !! ) est une nécessité pour la qualité du message à transmettre, relève du bon sens et non d’un jugement élitiste sur la qualité de l’image. Cette perception que l’étalonnage est superflu, inutile, dispendieux est d’autant plus obsolète que des plate-formes comme Color permet un étalonnage de qualité sans grever le budget de post prod, permettante de passer de color horribilis à color bellus :-)

et d'avoir, enfin, une image digne du message à transmettre, même dans la video institutionnelle.

Etalonnage au long cours

2009-09-13T14:23:00.000-07:00

J’ai démarré l'étalonnage de "L’île", un long métrage d’Olivier Boillot, film d’aventure entièrement auto produit (plus d'information sur www.ileprod.fr).

Etalonner un long métrage c’est un voyage au long cours dans la lumière et la couleur. Une traversée. Longue traversée, pas tant par le nombre de plans, que par le cheminement entre les scènes qui sont autant de paysages traversés avec leur propre lumière, leur propre vie, leur propre problématique de correction. On s’attache à une scène, mais à peine fini qu’il faut passer à la suivante, comme les paysages défilants dans un train : un paysage aimé disparaît pour laisser place à un nouveau paysage à aimer. Une suite d’amours.

Et puis le temps. On prend ses habitudes avec le film ( pour un peu on dirait “bonjour !” quand on ouvre le fichier :-)) ). Les images sont les compagnons de voyage, dont on partage l’intimité durant un temps donné dans un espace clos, parfois proches, parfois distants, mais jamais indifférent à leurs sens, à leurs besoins de corrections. L’étalonnage se glisse, se fond dans la narration, devient part d’elle, comme les souvenirs appartiennent au présent qui les créé.

L'étalonnage comme une chorégraphie

2009-09-13T12:09:00.001-07:00

Dernièrement j’ai fais l’acquisition d’un pupitre Tangent CP 300 Wave. Annoncé il y an il est sorti avec la version 1.5 de Color .... Le premier contact a été peu déroutant, car les potars et les touches font un peu camelote ! Mais comme ce pupitre est 5 fois moins cher que le haut de gamme, on accepte la chose !!!

Avec le pupitre, étonnamment les gestes sont plus analogiques qu'avec le stylet et la tablette graphique. Avec le pupitre, les mains, les doigts sont en mouvement, comme un peintre. Et on découvre avec plaisir que productivité rime avec qualité : on va plus vite en faisant mieux. Les corrections, mais aussi la démarche gagnent en subtilité, car la précision des trackballs et des potars renforcent le temps de l'analyse, de la réflexion. Mais le pupitre n'est pas seulement un outil de productivité mais aussi un facteur de créativité, car combinant deux mouvements, le balancement entre basses, hautes lumières et tons intermédiaires se fait d'une manière intuitive, fluide, en une suite de mouvements précis et souples, une chorégraphie de la correction colorimétrique en quelque sorte.

Lumière morte

2009-08-24T09:21:00.000-07:00

Parfois les Courts Métrages relèvent plus de l'A.R.N (Atelier de Réparation Numérique) que de l'étalonnage !!!

L'histoire est là, la réalisation est là, les acteurs sont là, le cadre est là , mais la lumière, elle, n'y est pas (ainsi que le Directeur de la Photographie !)

Balance des blancs hasardeuse, haute lumière cramée, ombres non débouchées, face à cette hécatombe de la lumière, difficile de ramener à la vie cette lumière, de lui insuffler une beauté perdue.

Loin de moi l'idée de jeter la pierre aux Réalisateurs de CM, ils font avec le peu de moyens qu'ils ont, et la chose primordiale est de faire, être dans le mouvement, avancer.

Non ce qui me trouble, c'est que la lumière semble être la dernière roue du carrosse, alors que c'est par elle que l'image née, qu'elle est l'essence de la vision, l'esthétique de la narration.

Et ce qui m'étonne c'est d'imaginer que l'étalonnage pourra résoudre cette absence de lumière ou l'absence de sa maîtrise. Comme si le numérique était doué d’un pouvoir magique qui ferait ressusciter des morts la lumière !

Le silence des images

2009-06-28T12:56:00.000-07:00

Dans l'étalonnage on est au coeur de l'image et au bord de l’histoire qu’elles transmettent. Le travail sur les plans amène une vision fragmentaire de l’histoire. L'histoire est vu au travers des couleurs , de la luminance, de la saturation, du gamma. La continuité dramatique est remplacé par l'homogénéisation des ambiances. Il y a une certaine jubilation à cultiver cette dichotomie, intimité de l’image / distance de l’histoire. Biens sûr, il faut regarder le film avant de l’étalonner, mais à un certain moment, l’histoire s'efface devant l’image qui devient matière à travailler, à modeler. Quand on étalonne on ne voit pas l’histoire, on la perçoit, au travers de sa matière. L'absence de son renforce cette sensation, on est dans la perception, le silence des images.

L’indécise perception

2009-06-28T12:54:00.000-07:00

Le flou optique reste d'une beauté supérieur à ces pâles imitations numérico-photoshopiennes (!) Le flou d’un 35 mm est différent de celui d’un 200 mm, et les différentes ouvertures offrent une multitude de variations, de possibles. Dans l’univers mathématique, La logique floue relève de l’incertitude, de l’imprécision, d’états multiples. Le flou optique c’est cela aussi, l’imprécision du regard, l’indécise perception, qui ravit autant l’oeil que l’imaginaire. Les plans de netteté (règle de Scheimpflug) accessibles en photo et maintenant en vidéo (via le Canon 5D MK II) avec l’usage des objectifs à bascule/décentrement (Tilt/Shift) connaît une sorte d'engouement d’usage pour réaliser des photos ou des plans qui donnent l’impression de “miniatures”. Cet engouement se transforme via Internet en une d’hystérie esthétique collective où le sens du flou se dissout, se perd, pour n’être qu’une esthétique marchande qui est visiblement ce qu’elle est essentiellement, une création sans désir.

La disparition

2009-06-28T12:50:00.000-07:00

Joli étalonnage du court “Les Sentiers de l’Aube” (Réalisateur Mathieu Raab), car conversion en Noir et Blanc et avec une ambiance différente pour chacun des 12 plans séquences.

J’avais imaginé (naïvement je le confesse !) que le passage en N&B se ferait d’une manière assez uniforme en terme de Secondaire et de CFX. Mais l’absence de couleur obéit à des ressentis et non à des lois : ici sur ce plan il faudra jouer sur les courbes et la désaturation, là bas sur cet autre plan il faudra intégrer en amont un Bleach bypass avant la désaturation. Comme toujours, l’absence , la disparition que ce soit de Couleur ou de l’Amour reste un passage difficile où l’on apprend.

Jean Luc Godard et le Canon 5D MK II

2009-06-28T12:05:00.000-07:00

Du lundi 22 juin au mercredi 24 juin premier vrai tournage avec le Canon 5D MKII avec la mise à jour du firmware qui permet un mode entièrement manuel en vidéo.
Quel bonheur ! :-))) Quel bonheur de retrouver la profondeur de champs, le flou, le net, l'entre-deux. Renouer avec le subtil, le presque, l’intime de la construction de l‘image.

Certes la Red possède intrinsèquement la meilleure qualité d’image, les rushes du Canon 5D MK II sont en H264, mais en terme de prix, de maniabilité le Canon 5D MK II est l’outil caméra des indépendants dans la lignée de feu la Aaton 8/35.

Car difficile de ne pas penser à cette caméra née d’une manière éphémère de l’improbable rencontre de JL Godard et JP Beauvalia ( A relire le mythique (!) entretien intitulé “La genèse d’une caméra” dans les Cahiers du Cinéma N° 348 et 350 de 1983). Plus que la Red le Canon 5D MK II va être l’outil d’une nouvelle étape esthétique et créative dans le cinéma indépendant.

Le seul regret est que le Canon 5D MKII est né d'une réflexion marketing et non d’un désir d’image comme les Aaton, car on ne filme pas qu’avec un outil, on film avec l’idée de l’image qu’il incarne.

Photo (celle de gauche !) Raymond Depardon, publiée avec l’aimable autorisation de Jean Pierre Beauvalia.

Les passeurs de lumière numérique

2009-05-06T12:11:00.000-07:00

Vassily Kandinsky était il étalonneur ou chef opérateur ?

Lazlo Moholy Nagy était il étalonneur ou chef opérateur ?

Alexander Mikhaïlovitch Rodtchenko était il étalonneur ou chef opérateur ?

Alexandra Exter était elle étalonneuse ou chef opérateur ?

Non ils/elles étaient peintres, photographes comme maintenant mais ils vivaient la lumière comme une aventure, un engagement. Une exploration.

Une théorie aussi. La lumière était au service de l'expression et non de la seule narration. C'était une matière en tant que telle, elle n'était pas que technique mais philosophie, mais écriture, mais mystère.

Avant eux, les faiseurs de vitraux du moyen-âge possédaient cette mystique. Les vitraux étaient une sorte d'étalonnage temps réel de la lumière (divine !). Aujourd'hui les chef opérateurs et les étalonneurs sont-ils, du moins quelque fois, les maîtres verriers des temps numériques, les passeurs de lumière des vitraux video ?

( A lire le livre de Bernard Tirtiaux : Le passeur de lumière, Nivard de Chassepierre Maître Verrier / Folio )

L'enfermement de la couleur

2009-03-23T13:23:00.000-07:00

Lorsque l'on étalonne, l'oeil, l'esprit fait corps avec la couleur. Dans la juste obscurité, l'image que l'on étalonne devient le référant, un monde clos où l'oeil exerce sa subtilité a discerner les nuances, à suivre l'évolution d'un réglage, à proposer une variante. Le temps passant, il y a une sorte d'euphorie visuelle qui s'instaure, apportant une aisance d'appréciation, une rapidité d'action. Petit a petit la couleur enferme, un monde clos s'établit, une dérive colorimétrique s'installe, prend le pourvoir et l'oeil abdique son sens critique et créatif devant ce système qui s'auto justifie.

Ce n'est que lorsque il s'est libéré de cet enferment, généralement après plusieurs heures de vision d'univers et dse lumières différentes, voire le lendemain, que visualisant le rendu d'étalonnage je constate les errances, les défauts, les erreurs.

Je fais toujours mes étalonnages en deux passes bien que les clients sont peu à même à comprendre, à admettre la nécessité de ces 2 phases ! Certains étalonneurs au cours de leur travail fixe une zone blanche pour refaire leur balance de blanc interne, pour ma part cela ne suffit pas, il me faut temps et espaces autre pour sortir de l'enferment de la couleur.

Une mise en perceptive par la lumière

2009-02-18T12:16:00.002-08:00

L'Etalonneur numérique et une sorte de peintre : il ajuste les couleurs, modèle l'ambiance, structure la lumière.

La lumière est comme la profondeur de champs elle établi des plans dans l'image, des points de fuite, des points de vue, l'étalonnage est une mise en perceptive par la lumière.

C'est cela l'étalonnage, être à l'écoute de l'image.

C'est cela l'étalonnage, former un triptyque avec le Réalisateur et le Chef Op.

C'est cela l'étalonnage, peindre la lumière.

C'est cela l'étalonnage, une démarche artistique, un travail d'artiste, un métier d'Art.

Alors, dans la post prod refaire le contraste, poser les noirs ce n'est pas de l'étalonnage c'est du travail à la chaîne de post production. Je le fais sans déplaisir pour gagner ma vie, avec toujours un regard sur l'image, mais je laisse aux projets qui possèdent temps et argent, le soin d'assouvir mon désir de peinture.